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La perla de plata: los investigadores investigan la creación de una obra maestra medieval

La perla de plata: los investigadores investigan la creación de una obra maestra medieval


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Una perla de plata bellamente labrada excavada hace años en el Castillo de Praga y fabricada en la Edad Media ha sido investigada y remanufacturada recientemente, revelando la artesanía avanzada que se utilizó en su creación. Los investigadores llaman al antiguo collar de perlas una obra maestra de filigrana (diseños delicados hechos de alambre de oro o plata) y dicen que perteneció a una de las personas más ricas enterradas en el cementerio jardín de Lumbe en los terrenos del castillo.

El Castillo de Praga fue construido hace más de 1.000 años y, desde aproximadamente el año 900 d.C., fue la sede de las autoridades sectarias y eclesiásticas del principado de Přemyslid y de todos los estados centroeuropeos posteriores de los que Praga fue capital.

Una vista del Castillo de Praga ( Edgar Barany C / Flickr )

“El cementerio del jardín de Lumbe es un sitio donde los miembros de la nobleza fueron enterrados desde finales del siglo IX hasta el primer cuarto del siglo XI. La perla fue encontrada en la tumba de una de las mujeres más ricas. Formaba parte de un collar compuesto por 34 piedras semipreciosas, cuentas de vidrio y cuatro perlas de plata. Una kaptorga de plata (contenedor de amuleto) y 14 anillos de templo en forma de S también formaban parte del ajuar funerario ", dice el artículo de los investigadores en la revista. Estudios de conservación .

“La perla es una obra maestra del trabajo de filigrana y granulación. Los análisis han demostrado la naturaleza de la técnica de soldadura y los tipos de materiales utilizados por los artesanos medievales tempranos para fabricarla ”, escribieron.

Imágenes de microscopio electrónico de barrido de la perla que muestran el trabajo detallado que se llevó a cabo en su construcción. ( Estudios de conservación fotos)

La perla de plata de 12 mm (media pulgada) tiene pequeñas cantidades de oro y cobre en partes, no más del 7 por ciento de cada metal. La aleación de plata más cobre y oro hace que la perla sea más fuerte. Está compuesto por muchas partes detalladas y finamente elaboradas, formadas por dos hemisferios conectados con un anillo. Los hemisferios están formados por dos componentes hechos de un alambre doblado, soldados juntos en los extremos y rematados por un anillo cerrado.

“Cada hemisferio tiene una decoración de cuatro anillos hechos de dos anillos más delgados soldados entre sí y decorados con una línea de gránulos. Los centros imaginarios de los anillos decorativos se colocan en las partes de contacto de los cables de construcción internos y en su posición un anillo cerrado más pequeño ”, informan los investigadores.

Para remanufacturar la perla, los expertos tuvieron que formar y cortar sus anillos, formar los alambres en forma de omega, dar forma a los gránulos y soldar las piezas. Parte del proceso se muestra arriba. ( Fotografías de L. Sˇ ejvlová y J. Sobek ).

El sitio del Castillo de Praga ha estado habitado desde tiempos prehistóricos, pero los estudiosos creen que el primer asentamiento permanente que hubo en el siglo IX. Los investigadores están tratando de encontrar la ciudad que debe haber sostenido el castillo.

“Aún falta evidencia arqueológica concluyente de un asentamiento estable durante todo el siglo IX”, dice el sitio web Heritage Route. “Sin embargo, se atestigua un asentamiento denso en el área vecina de la actual Hradčany y la Ciudad Pequeña. Tenemos que ocuparnos no solo de las zonas pobladas, sino también de los importantes centros de producción y comercio que estaban dispersos sobre la colina dominante del actual Castillo de Praga. En ese momento, aparentemente desempeñaba un papel simbólico, como lo indica el hallazgo de la tumba del guerrero con la espada, que data de mediados del siglo IX. El mítico montículo ‘Žiži’ y el trono de piedra en lo alto del promontorio del castillo, donde se instalaron los duques, dan una idea de su aspecto principalmente espiritual. Los restos de la Iglesia de la Virgen María del siglo IX, la primera iglesia en este sitio, apoyan esta teoría. La iglesia estaba situada en una pequeña proyección de la vertiente norte del promontorio, y podemos suponer que en su vecindad se encontraba un complejo de asentamientos aún por descubrir.

Una cruz de bronce de aproximadamente 1000 d.C. fue excavada en el cementerio que rodea la Iglesia de la Virgen María en. ( Instituto de Arqueología de la Academia de Ciencias de la República Checa , Castillo de Praga, foto de Jan Gloc)

Se han encontrado muchos artefactos, metálicos y de otro tipo, en el cementerio jardín de Lumbe.

El cementerio se encontraba en los terrenos del Castillo de Praga que rodean la Iglesia de Santa María, que fue construida alrededor del 885 d.C. y quemada en el siglo XIII. th siglo. La iglesia de Santa María fue solo la segunda iglesia en toda Bohemia. La iglesia fue excavada en 1925, las décadas de 1930 y 1950 y 1970. Los arqueólogos del Instituto de Arqueología de la Academia de Ciencias de la República Checa han excavado alrededor de 141 tumbas en el cementerio de los jardines de Lumbe.

Este pendiente de oro decorado con cabezas de ratón fue excavado en el cementerio de la Iglesia de la Virgen María en la década de 1950. ( Instituto de Arqueología de la Academia de Ciencias de la República Checa , Castillo de Praga, foto de Jan Gloc)

Imagen destacada: La perla de plata encontrada en el Castillo de Praga y detalles de la perla ( Fotografías de L. Sobek ).

Por Mark Miller


Pinturas con intrigantes & # 038 símbolos secretos & # 038 mensajes

En tiempos pasados, cuando a las personas se les prohibía expresar públicamente sus opiniones o creencias, o se consideraba de mala educación dar a conocer sus verdaderos sentimientos, una pintura o una escultura era un medio adecuado en el que un artista podía ocultar un mensaje.

Muchos de estos mensajes eran a menudo políticos, morales o basados ​​en alegorías religiosas. Sin embargo, algunos de ellos tenían un carácter puramente divertido & # 8211 la forma del artista & # 8217 de divertirse y dejar su huella personal en el lienzo. A lo largo de la historia, especialmente en la Edad Media y el Renacimiento, artistas famosos han colocado significados ocultos en sus obras de arte. Aquí hay una selección de algunos de los mensajes ocultos más intrigantes en una colección de pinturas de la rica historia del arte.


10 hechos que quizás no conozcas sobre la obra maestra

1. Vivió con Francois I, Luis XIV y Napoleón

Aunque da Vinci comenzó a trabajar en su obra maestra mientras vivía en su Italia natal, no la terminó hasta que se mudó a Francia a pedido del rey Francois I. El rey francés exhibió la pintura en su palacio de Fontainebleau, donde permaneció durante un siglo. Luis XIV lo trasladó al gran Palacio de Versalles. A principios del siglo XIX, Napoleón Bonaparte guardó el cuadro en su tocador.

2. Algunos historiadores creen que Mona Lisa es un autorretrato de Leonardo da Vinci.

Leonardo da Vinci murió en 1519 y está enterrado en un castillo francés. El Comité Nacional de Patrimonio Cultural de Italia está llevando a cabo una investigación y planea desenterrar su cráneo. Quieren reconstruir el rostro de Leonardo, utilizando tecnología estilo CSI. ¿Se parecerá a la misteriosa Mona Lisa?

3. Tiene su propia habitación en el Museo del Louvre de París.

Después de que el Louvre lanzó una renovación de cuatro años y $ 6.3 millones en 2003, la pintura ahora tiene su propia habitación. Un techo de vidrio deja entrar la luz natural, una vitrina de vidrio irrompible mantiene una temperatura controlada de 43 grados F. y un pequeño foco resalta los verdaderos colores de las pinturas originales de Da Vinci.

4. Es una pintura pero no un lienzo.

La famosa obra maestra de Da Vinci está pintada sobre una tabla de álamo. Teniendo en cuenta que estaba acostumbrado a pintar obras más grandes sobre yeso húmedo, una tabla de madera no parece tan descabellada. El lienzo estuvo disponible para los artistas desde el siglo XIV, pero muchos maestros del Renacimiento prefirieron la madera como base para sus pequeñas obras de arte.

5. Jackie Kennedy la invitó a visitarla.

A lo largo de los siglos, los funcionarios franceses rara vez han perdido de vista la pintura. Sin embargo, cuando la primera dama Jackie Kennedy preguntó si la pintura podía visitar los Estados Unidos, el presidente francés De Gaulle estuvo de acuerdo. "Mona Lisa" se exhibió en la Galería Nacional de Arte en Washington D.C. y luego en el Museo Metropolitano de las Artes en la ciudad de Nueva York.

6. Un ladrón la hizo famosa.

Aunque en el mundo del arte, la pintura siempre había sido una obra maestra reconocida, no fue hasta que fue robada en el verano de 1911 que captaría la atención del público en general. Los periódicos difunden la historia del crimen en todo el mundo. Cuando la pintura finalmente regresó al Louvre dos años después, prácticamente todo el mundo estaba vitoreando.

7. Picasso estaba bajo sospecha del robo. Durante la investigación, los gendarmes llegaron a cuestionar a conocidos disidentes del arte como Pablo Picasso sobre el robo. Detuvieron brevemente al poeta Guillaume Apollinaire, quien una vez había dicho que la pintura debería ser quemada. Sus sospechas resultaron infundadas.

8. Recibe correo de fans.

Desde que la pintura llegó por primera vez al Louvre en 1815, "Mona Lisa" ha recibido muchas cartas de amor y flores de admiradores. Incluso tiene su propio buzón de correo.

9. No todo el mundo es fan.

Varios vándalos han intentado dañar la famosa obra maestra de Da Vinci, y 1956 fue un año particularmente malo. En dos ataques separados, una persona arrojó ácido al cuadro y otro lo arrojó con una piedra. El daño es leve pero aún perceptible. La adición de vidrio a prueba de balas repelió los ataques posteriores con pintura en aerosol en 1974 y una taza de café en 2009.

10. No se la puede comprar ni vender.

Realmente invaluable, la pintura no se puede comprar ni vender de acuerdo con la ley de herencia francesa. Como parte de la colección del Louvre, "Mona Lisa" pertenece al público, y por acuerdo popular, sus corazones le pertenecen a ella.


Contenido

Exterior Editar

Cuando se cierran las alas del tríptico, el diseño de los paneles exteriores se hace visible. Representados en una grisalla verde-gris, [5] estos paneles carecen de color, probablemente porque la mayoría de los trípticos holandeses fueron pintados así, pero posiblemente indicando que la pintura refleja una época anterior a la creación del sol y la luna, que se formaron, según Christian. teología, para "dar luz a la tierra". [6] La típica suavidad grisalla de los retablos holandeses sirvió para resaltar el espléndido color del interior. [7]

Generalmente se piensa que los paneles exteriores representan la creación del mundo, [8] mostrando el verdor que comienza a revestir la Tierra aún prístina. [9] Dios, que lleva una corona similar a una tiara papal (una convención común en la pintura holandesa), [6] es visible como una pequeña figura en la parte superior izquierda. Bosch muestra a Dios como el padre sentado con una Biblia en su regazo, creando la Tierra de manera pasiva por mandato divino. [10] Sobre él está inscrita una cita del Salmo 33 que dice "Ipse dīxit, et facta sunt: ​​ipse mandāvit, et creāta sunt" -Porque él habló y fue hecho, ordenó, y se mantuvo firme. [11] La Tierra está encapsulada en una esfera transparente que recuerda la representación tradicional del mundo creado como una esfera de cristal sostenida por Dios o Cristo. [12] Cuelga suspendido en el cosmos, que se muestra como una oscuridad impermeable, cuyo único otro habitante es Dios mismo. [6]

A pesar de la presencia de vegetación, la tierra aún no contiene vida humana o animal, lo que indica que la escena representa los eventos del Tercer Día bíblico. [4] Bosch presenta la vida vegetal de una manera inusual, utilizando tintes grises uniformes que dificultan determinar si los sujetos son puramente vegetales o quizás incluyen algunas formaciones minerales. [4] Rodeando el interior del globo está el mar, parcialmente iluminado por rayos de luz que brillan a través de las nubes. Las alas exteriores tienen una posición clara dentro de la narrativa secuencial de la obra en su conjunto. Muestran una tierra despoblada compuesta únicamente de rocas y plantas, que contrasta fuertemente con el panel central interior que contiene un paraíso lleno de humanidad lujuriosa.

Interior Editar

Los eruditos han propuesto que Bosch usó los paneles exteriores para establecer un escenario bíblico para los elementos internos de la obra, [5] y la imagen exterior generalmente se interpreta como ambientada en una época anterior a las del interior. Como con Bosch Tríptico de carro de heno, la pieza central interior está flanqueada por imágenes celestiales e infernales. Se cree que las escenas representadas en el tríptico siguen un orden cronológico: fluyendo de izquierda a derecha, representan el Edén, el jardín de las delicias terrenales y el Infierno. [13] Dios aparece como el creador de la humanidad en el ala izquierda, mientras que las consecuencias del fracaso de la humanidad en seguir su voluntad se muestran en la derecha.

Sin embargo, a diferencia de los otros dos trípticos completos de Bosch, El Juicio Final (alrededor de 1482) y El carro de heno (después de 1510), Dios está ausente del panel central. En cambio, este panel muestra a la humanidad actuando con aparente libre albedrío mientras hombres y mujeres desnudos se involucran en diversas actividades de búsqueda de placer. Según algunas interpretaciones, se cree que el panel de la derecha muestra los castigos de Dios en un infierno. [14]

El historiador de arte Charles de Tolnay creía que, a través de la mirada seductora de Adán, el panel de la izquierda ya muestra la influencia menguante de Dios sobre la tierra recién creada. Esta visión se ve reforzada por la representación de Dios en los paneles exteriores como una figura diminuta en comparación con la inmensidad de la tierra. [13] Según Hans Belting, los tres paneles interiores buscan transmitir ampliamente la noción del Antiguo Testamento de que, antes de la Caída, no había un límite definido entre el bien y el mal, la humanidad en su inocencia ignoraba las consecuencias. [15]

Panel izquierdo Editar

El panel izquierdo (a veces conocido como el Unión de Adán y Eva) [17] describe una escena del paraíso del Jardín del Edén comúnmente interpretada como el momento en que Dios le presenta a Eva a Adán. La pintura muestra a Adán despertando de un sueño profundo para encontrar a Dios sosteniendo a Eva por su muñeca y dando la señal de su bendición a su unión. Dios es más joven que en los paneles exteriores, de ojos azules y rizos dorados. Su apariencia juvenil puede ser un recurso del artista para ilustrar el concepto de Cristo como la encarnación de la Palabra de Dios. [18] La mano derecha de Dios se levanta en bendición, mientras sostiene la muñeca de Eva con la izquierda. Según el intérprete más controvertido de la obra, el folclorista e historiador del arte del siglo XX Wilhelm Fraenger:

Como gozando del latido de la sangre viva y como si también estuviera poniendo un sello a la comunión eterna e inmutable entre esta sangre humana y la suya propia. Este contacto físico entre el Creador y Eva se repite aún más notablemente en la forma en que los dedos de los pies de Adán tocan el pie del Señor. Aquí está el énfasis de una relación: Adam parece de hecho estirarse en toda su extensión para hacer contacto con el Creador. Y la ondulación del manto alrededor del corazón del Creador, desde donde cae la prenda en marcados pliegues y contornos hasta los pies de Adán, también parece indicar que aquí fluye una corriente de poder divino, de modo que este grupo de tres realmente forma un cerrado. circuito, un complejo de energía mágica. [19]

Eva evita la mirada de Adán, aunque, según Walter S. Gibson, se la muestra "presentando seductoramente su cuerpo a Adán". [20] La expresión de Adam es de asombro, y Fraenger ha identificado tres elementos para su aparente asombro. En primer lugar, hay sorpresa ante la presencia de Dios. En segundo lugar, está reaccionando a la conciencia de que Eva es de la misma naturaleza que él y ha sido creada a partir de su propio cuerpo. Finalmente, de la intensidad de la mirada de Adam, se puede concluir que está experimentando excitación sexual y el impulso primordial de reproducirse por primera vez. [21]

El paisaje circundante está poblado por formas en forma de choza, algunas de las cuales están hechas de piedra, mientras que otras son al menos parcialmente orgánicas. Detrás de los conejos Eva, que simboliza la fecundidad, juega en la hierba, y se cree que un drago enfrente representa la vida eterna. [20] El fondo revela varios animales que habrían sido exóticos para los europeos contemporáneos, entre ellos una jirafa, un elefante y un león que ha matado y está a punto de devorar a su presa. En primer plano, de un gran agujero en el suelo, emergen pájaros y animales alados, algunos realistas, otros fantásticos. Detrás de un pez, una persona vestida con una chaqueta con capucha de manga corta y con un pico de pato sostiene un libro abierto como si estuviera leyendo. A la izquierda del área, un gato sostiene una pequeña criatura parecida a un lagarto en sus mandíbulas. Belting observa que, a pesar del hecho de que las criaturas en primer plano son imaginaciones fantásticas, muchos de los animales en el medio y el fondo provienen de la literatura de viajes contemporánea, y aquí Bosch apela al "conocimiento de un lector humanista y aristocrático". [22] Imágenes de Erhard Reuwich para 1486 de Bernhard von Breydenbach Peregrinaciones a Tierra Santa Durante mucho tiempo se pensó que eran la fuente tanto del elefante como de la jirafa, aunque investigaciones más recientes indican que los relatos de viaje del erudito humanista de mediados del siglo XV Cyriac de Ancona sirvieron como exposición de Bosch a estos animales exóticos. [22]

Según la historiadora del arte Virginia Tuttle, la escena es "muy poco convencional [y] no puede identificarse como ninguno de los eventos del Libro del Génesis representados tradicionalmente en el arte occidental". [23] Algunas de las imágenes contradicen la inocencia esperada en el Jardín del Edén. Tuttle y otros críticos han interpretado la mirada de Adán sobre su esposa como lujuriosa e indicativa de la creencia cristiana de que la humanidad estaba condenada desde el principio. [23] Gibson cree que la expresión facial de Adam no solo delata sorpresa sino también expectativa. Según una creencia común en la Edad Media, antes de la Caída, Adán y Eva habrían copulado sin lujuria, únicamente para reproducirse. Muchos creían que el primer pecado cometido después de que Eva probó el fruto prohibido fue la lujuria carnal. [24] En un árbol a la derecha, una serpiente se enrosca alrededor del tronco de un árbol, mientras que a su derecha se arrastra un ratón según Fraenger, ambos animales son símbolos fálicos universales. [25]

Panel central Editar

El horizonte del panel central (220 × 195 cm, 87 × 77 pulgadas) coincide exactamente con el del ala izquierda, mientras que la ubicación de su piscina central y el lago detrás de él se hace eco del lago en la escena anterior. La imagen central muestra el extenso paisaje del "jardín" que da nombre al tríptico. El panel comparte un horizonte común con el ala izquierda, lo que sugiere una conexión espacial entre las dos escenas.[26] El jardín está repleto de desnudos masculinos y femeninos, junto con una variedad de animales, plantas y frutas. [27] El escenario no es el paraíso que se muestra en el panel de la izquierda, pero tampoco se basa en el reino terrestre. [28] Las criaturas fantásticas se mezclan con las frutas reales que de otro modo serían ordinarias y parecen hinchadas hasta un tamaño gigantesco. Las figuras se dedican a diversos deportes y actividades amorosas, tanto en pareja como en grupo. Gibson los describe como comportándose "abiertamente y sin vergüenza", [29] mientras que la historiadora del arte Laurinda Dixon escribe que las figuras humanas exhiben "una cierta curiosidad sexual adolescente". [17]

Muchas de las numerosas figuras humanas se deleitan con una alegría inocente y ensimismada mientras se involucran en una amplia gama de actividades, algunas parecen disfrutar de los placeres sensoriales, otras juegan sin darse cuenta en el agua y otras retozan en los prados con una variedad de animales. aparentemente en uno con la naturaleza. En el medio del fondo, un gran globo azul parecido a una vaina de fruta se eleva en medio de un lago. Visible a través de su ventana circular es un hombre que sostiene su mano derecha cerca de los genitales de su compañero, y las nalgas desnudas de otra figura se ciernen en las cercanías. Según Fraenger, el erotismo del marco central podría considerarse como una alegoría de la transición espiritual o un campo de juego de la corrupción. [30]

En el lado derecho del primer plano se encuentra un grupo de cuatro figuras, tres rubias y una de piel negra. Las figuras de piel clara, dos hombres y una mujer, están cubiertas de la cabeza a los pies por un vello corporal de color marrón claro. Los eruditos generalmente están de acuerdo en que estas figuras hirsutas representan a la humanidad salvaje o primitiva, pero no están de acuerdo con el simbolismo de su inclusión. El historiador de arte Patrik Reuterswärd, por ejemplo, postula que pueden ser vistos como "el noble salvaje" que representa "una alternativa imaginada a nuestra vida civilizada", imbuyendo el panel con "una nota primitivista más clara". [32] El escritor Peter Glum, por el contrario, ve las figuras como intrínsecamente conectadas con la prostitución y la lujuria. [33]

En una cueva en la parte inferior derecha, una figura masculina apunta hacia una mujer reclinada que también está cubierta de pelo. El hombre que señala es la única figura vestida en el panel y, como observa Fraenger, "está vestido con una austeridad enfática hasta el cuello". [34] Además, es una de las pocas figuras humanas con cabello oscuro. Según Fraenger:

La forma en que crece el cabello oscuro de este hombre, con la marcada caída en medio de su frente alta, como si concentrara allí toda la energía de la M masculina, hace que su rostro sea diferente a todos los demás. Sus ojos negros como el carbón están rígidamente enfocados en una mirada que expresa una fuerza convincente. La nariz es inusualmente larga y audazmente curvada. La boca es amplia y sensual, pero los labios están firmemente cerrados en línea recta, las comisuras fuertemente marcadas y apretadas en puntos finales, y esto refuerza la impresión —ya sugerida por los ojos— de una fuerte voluntad controladora. Es un rostro extraordinariamente fascinante, que nos recuerda los rostros de los hombres famosos, especialmente el de Maquiavelo y, de hecho, todo el aspecto de la cabeza sugiere algo mediterráneo, como si este hombre hubiera adquirido su aire franco, investigador y superior en las academias italianas. [34]

El señalador ha sido descrito de diversas formas como el patrón de la obra (Fraenger en 1947), como un defensor de Adán denunciando a Eva (Dirk Bax en 1956), como San Juan Bautista con piel de camello (Isabel Mateo Goméz en 1963). , [35] o como autorretrato. [15] La mujer debajo de él se encuentra dentro de un escudo transparente semicilíndrico, mientras que su boca está sellada, dispositivos que implican que ella tiene un secreto. A su izquierda, un hombre coronado por hojas yace sobre lo que parece ser una fresa real pero gigantesca, y se le unen un macho y una hembra que contemplan otra fresa igualmente enorme. [35]

No hay un orden de perspectiva en primer plano, sino que comprende una serie de pequeños motivos en los que se abandona la proporción y la lógica terrestre. Bosch presenta al espectador patos gigantes jugando con humanos diminutos bajo la cubierta de peces frutales de gran tamaño que caminan por la tierra mientras los pájaros habitan en el agua, una pareja apasionada encerrada en una burbuja de líquido amniótico y un hombre dentro de una fruta roja mirando a un ratón en un cilindro transparente. [36]

Las piscinas al frente y al fondo contienen bañistas de ambos sexos. En la piscina circular central, los sexos están en su mayoría segregados, con varias hembras adornadas con pavos reales y frutas. [31] Cuatro mujeres llevan en la cabeza frutos parecidos a cerezas, tal vez un símbolo de orgullo en ese momento, como se ha deducido del refrán contemporáneo: "No comas cerezas con grandes señores, te tirarán el hueso. cara." [37] Las mujeres están rodeadas por un desfile de hombres desnudos a caballo, burros, unicornios, camellos y otras criaturas exóticas o fantásticas. [28] Varios hombres muestran acrobacias mientras cabalgan, aparentemente actos diseñados para llamar la atención de las mujeres, lo que resalta la atracción que se siente entre los dos sexos como grupos. [31] Los dos manantiales exteriores también contienen hombres y mujeres retozando con abandono. A su alrededor, los pájaros infestan el agua mientras los peces alados se arrastran por la tierra. Los humanos habitan conchas gigantes. Todos están rodeados de vainas de frutas y cáscaras de huevo de gran tamaño, y tanto los humanos como los animales se deleitan con fresas y cerezas.

La impresión de una vida vivida sin consecuencias, o lo que el historiador del arte Hans Belting describe como "existencia virgen y premoral", se ve subrayada por la ausencia de niños y ancianos. [38] Según los capítulos segundo y tercero del Génesis, los hijos de Adán y Eva nacieron después de que fueron expulsados ​​del Edén. Esto ha llevado a algunos comentaristas, en particular a Belting, a teorizar que el panel representa el mundo si los dos no hubieran sido expulsados ​​"entre los espinos y cardos del mundo". En opinión de Fraenger, la escena ilustra "una utopía, un jardín del deleite divino antes de la Caída o, dado que Bosch no podía negar la existencia del dogma del pecado original, una condición milenaria que surgiría si, después de la expiación del pecado original, a la humanidad se le permitió regresar al Paraíso ya un estado de tranquila armonía que abarcaba toda la Creación ". [39]

A gran distancia del fondo, por encima de las formaciones rocosas híbridas, se ven en vuelo cuatro grupos de personas y criaturas. Inmediatamente a la izquierda, un macho humano cabalga sobre un águila-león solar ctónico. El ser humano lleva un árbol de la vida de tres ramas en el que se posa un pájaro según Fraenger "un pájaro simbólico de la muerte". Fraenger cree que el hombre está destinado a representar un genio, "es el símbolo de la extinción de la dualidad de los sexos, que se resuelven en el éter en su estado original de unidad". [40] A su derecha, un caballero con cola de delfín navega sobre un pez alado. La cola del caballero se curva hacia atrás para tocar la parte posterior de su cabeza, lo que hace referencia al símbolo común de la eternidad: la serpiente que se muerde la cola. Inmediatamente a la derecha del panel, un joven alado se eleva con un pez en las manos y un halcón en la espalda. [40] Según Belting, en estos pasajes "triunfa la imaginación de Bosch. La ambivalencia de [su] sintaxis visual supera incluso el enigma del contenido, abriendo esa nueva dimensión de libertad por la que la pintura se convierte en arte". [15] Fraenger tituló su capítulo sobre el fondo alto "El ascenso al cielo", y escribió que las figuras en el aire probablemente tenían la intención de ser un vínculo entre "lo que está arriba" y "lo que está abajo", al igual que la mano izquierda y derecha. los paneles representan "lo que fue" y "lo que será". [41]

Panel derecho Editar

El panel de la derecha (220 × 97,5 cm, 87 × 38,4 pulgadas) ilustra el Infierno, el escenario de varias pinturas de Bosch. Bosch describe un mundo en el que los humanos han sucumbido a las tentaciones que conducen al mal y cosechan la condenación eterna. El tono de este último panel contrasta con los que lo preceden. La escena está ambientada en la noche y la belleza natural que adornaba los paneles anteriores está notablemente ausente. Comparado con la calidez del panel central, el ala derecha posee una cualidad escalofriante —representada a través de una coloración fría y vías fluviales heladas— y presenta un cuadro que ha pasado del paraíso de la imagen central a un espectáculo de cruel tortura y retribución. [42] En una escena única y densamente detallada, el espectador es testigo de ciudades en llamas en la guerra de fondo, cámaras de tortura, tabernas infernales y demonios en el medio y animales mutantes que se alimentan de carne humana en primer plano. [43] La desnudez de las figuras humanas ha perdido todo su erotismo, y muchos ahora intentan cubrirse los genitales y los senos con las manos, avergonzados por su desnudez. [18]

Grandes explosiones en el fondo arrojan luz a través de las puertas de la ciudad y se derraman en el agua en el medio, según el escritor Walter S. Gibson, "su reflejo ardiente convierte el agua de abajo en sangre". [18] La luz ilumina un camino lleno de figuras que huyen, mientras hordas de verdugos se preparan para quemar un pueblo vecino. [44] A poca distancia, un conejo lleva un cadáver empalado y sangrante, mientras que un grupo de víctimas arriba son arrojadas a una linterna encendida. [45] El primer plano está poblado por una variedad de figuras angustiadas o torturadas. Algunos se muestran vomitando o excretando, otros son crucificados con arpa y laúd, en una alegoría de la música, agudizando así el contraste entre placer y tortura. Un coro canta con una partitura inscrita en un par de nalgas, [42] parte de un grupo que ha sido descrito como el "Infierno de los músicos". [46]

El punto focal de la escena es el "Hombre-Árbol", cuyo torso cavernoso está sostenido por lo que podrían ser brazos retorcidos o troncos de árboles podridos. Su cabeza sostiene un disco poblado por demonios y víctimas que desfilan alrededor de un enorme juego de gaitas, que a menudo se utilizan como símbolo sexual dual [42], que recuerdan el escroto y el pene humanos. El torso del hombre-árbol está formado por una cáscara de huevo rota, y el tronco que lo sostiene tiene ramas en forma de espinas que perforan el frágil cuerpo. Una figura gris con capucha que lleva una flecha clavada entre sus nalgas sube por una escalera hacia la cavidad central del hombre-árbol, donde hombres desnudos se sientan en un ambiente parecido a una taberna. El hombre-árbol mira hacia afuera más allá del espectador, su expresión conspirativa es una mezcla de nostalgia y resignación. [47] Belting se preguntó si la cara del hombre-árbol es un autorretrato, citando la "expresión de ironía de la figura y la mirada ligeramente de reojo [que] constituiría entonces la firma de un artista que reclamaba un extraño mundo pictórico para su propia personalidad. imaginación". [42]

Muchos elementos del panel incorporan convenciones iconográficas anteriores que representan el infierno. Sin embargo, Bosch es innovador en el sentido de que describe el infierno no como un lugar fantástico, sino como un mundo realista que contiene muchos elementos de la vida humana cotidiana. [43]

Se muestra a los animales castigando a los humanos, sometiéndolos a tormentos de pesadilla que pueden simbolizar los siete pecados capitales, comparando el tormento con el pecado. Sentado sobre un objeto que puede ser un inodoro o un trono, la pieza central del panel es un monstruo gigantesco con cabeza de pájaro que se alimenta de cadáveres humanos, que excreta a través de una cavidad debajo de él, [43] en el orinal transparente en el que se sienta. [47] El monstruo a veces se conoce como el "Príncipe del Infierno", un nombre derivado del caldero que lleva en la cabeza, quizás representando una corona degradada. [43] A sus pies, una mujer tiene su rostro reflejado en las nalgas de un demonio. Más a la izquierda, junto a un demonio con cabeza de liebre, un grupo de personas desnudas alrededor de una mesa de juego derribada están siendo masacrados con espadas y cuchillos. Otra violencia brutal es mostrada por un caballero derribado y devorado por una manada de lobos a la derecha del hombre-árbol.

Durante la Edad Media, algunos vieron la sexualidad y la lujuria como evidencia de la caída en desgracia de la humanidad. A los ojos de algunos espectadores, este pecado se representa en el panel de la izquierda a través de la mirada supuestamente lujuriosa de Adán hacia Eva, y se ha propuesto que el panel central se creó como una advertencia al espectador para evitar una vida de pecado. Placer. [48] ​​Según este punto de vista, la pena por tales pecados se muestra en el panel derecho del tríptico. En la esquina inferior derecha, un cerdo que lleva el velo de una monja se acerca a un hombre. Se muestra al cerdo tratando de seducir al hombre para que firme documentos legales. Se dice además que la lujuria está simbolizada por los gigantescos instrumentos musicales y por los cantantes corales en el primer plano izquierdo del panel. Los instrumentos musicales a menudo tenían connotaciones eróticas en las obras de arte de la época, y las fuentes moralizadoras se referían a la lujuria como la "música de la carne". También ha existido la opinión de que el uso de la música por parte de Bosch aquí podría ser una reprimenda contra los juglares viajeros, a menudo considerados como proveedores de canciones y versos obscenos. [49]

La datación de El jardín de las delicias es incierto. Ludwig von Baldass (1917) consideró que la pintura era una de las primeras obras de Bosch. [50] Sin embargo, desde De Tolnay (1937) [51], el consenso entre los historiadores del arte del siglo XX colocó el trabajo en 1503-1504 o incluso más tarde. Tanto las fechas tempranas como las tardías se basaron en el tratamiento "arcaico" del espacio. [52] La dendrocronología fecha el roble de los paneles entre los años 1460 y 1466, proporcionando una fecha más temprana (terminus post quem) para el trabajo. [53] La madera utilizada para pinturas sobre paneles durante este período se sometió habitualmente a un largo período de almacenamiento con fines de curado, por lo que se podría esperar que la edad del roble sea anterior a la fecha real de la pintura en varios años. La evidencia interna, específicamente la representación de una piña (una fruta del "Nuevo Mundo"), sugiere que la pintura en sí es posterior a los viajes de Colón a las Américas, entre 1492 y 1504. [53] La investigación dendrocronológica llevó a Vermet [54] a reconsiderar un datación temprana y, en consecuencia, disputar la presencia de cualquier objeto del "Nuevo Mundo", enfatizando en cambio la presencia de objetos africanos. [55]

El jardín fue documentado por primera vez en 1517, un año después de la muerte del artista, cuando Antonio de Beatis, un canónigo de Molfetta, Italia, describió la obra como parte de la decoración del palacio municipal de los Condes de la Casa de Nassau en Bruselas. [56] El palacio era un lugar de alto perfil, una casa que a menudo visitaban los jefes de estado y las principales figuras de la corte. El protagonismo de la pintura ha llevado a algunos a concluir que la obra fue un encargo y no "únicamente un vuelo de la imaginación". [57] Una descripción del tríptico en 1605 lo llamó la "pintura de la fresa", porque el fruto del madroño (madroño en español) ocupa un lugar destacado en el panel central. Los primeros escritores españoles se refirieron a la obra como La Lujuria ("Lujuria"). [52]

La aristocracia de los Países Bajos borgoñones, influenciada por el movimiento humanista, fueron los coleccionistas más probables de las pinturas de Bosch, pero hay pocos registros de la ubicación de sus obras en los años inmediatamente posteriores a su muerte. [58] Es probable que el mecenas de la obra fuera Engelbrecht II de Nassau, que murió en 1504, o su sucesor Enrique III de Nassau-Breda, gobernador de varias de las provincias de los Habsburgo en los Países Bajos. De Beatis escribió en su diario de viaje que "hay algunos paneles en los que se han pintado cosas extrañas. Representan mares, cielos, bosques, prados y muchas otras cosas, como personas que salen de un caparazón, otras que producen pájaros. , hombres y mujeres, blancos y negros haciendo todo tipo de actividades y poses ". [59] Debido a que el tríptico se exhibió públicamente en el palacio de la Casa de Nassau, fue visible para muchos, y la reputación y la fama de Bosch se extendieron rápidamente por Europa. La popularidad de la obra puede medirse por las numerosas copias supervivientes —en óleo, grabado y tapiz— encargadas por mecenas adinerados, así como por el número de falsificaciones en circulación después de su muerte. [60] La mayoría son del panel central solamente y no se desvían del original. Por lo general, estas copias se pintaron a una escala mucho menor y su calidad varía considerablemente. Muchos se crearon una generación después de Bosch, y algunos tomaron la forma de tapices de pared. [61]

La descripción de De Beatis, redescubierta sólo por Steppe en la década de 1960, [56] arroja nueva luz sobre el encargo de una obra que antes se pensaba —por no tener una imagen religiosa central— como un retablo atípico. Se conocen muchos dípticos holandeses destinados a uso privado, e incluso algunos trípticos, pero los paneles de Bosch son inusualmente grandes en comparación con estos y no contienen retratos de donantes. Posiblemente se les encargó la celebración de una boda, como solían ser los grandes cuadros italianos para casas particulares. [62] Sin embargo, El jardín Las representaciones audaces no descartan una comisión de la iglesia, tal fue el fervor contemporáneo para advertir contra la inmoralidad. [52] En 1566, el tríptico sirvió de modelo para un tapiz que cuelga en el monasterio de El Escorial, cerca de Madrid. [63]

A la muerte de Enrique III, la pintura pasó a manos de su sobrino Guillermo el Silencioso, fundador de la Casa de Orange-Nassau y líder de la revuelta holandesa contra España. En 1568, sin embargo, el duque de Alba confiscó el cuadro y lo llevó a España, [64] donde pasó a ser propiedad de un tal Don Fernando, hijo ilegítimo y heredero del duque y comandante español en los Países Bajos. [65] Felipe II adquirió el cuadro en subasta en 1591, dos años después lo presentó a El Escorial. Una descripción contemporánea de la transferencia registra el regalo, el 8 de julio de 1593 [52], de un "cuadro al óleo, con dos alas que representa la variedad del mundo, ilustrado con grotescas por Hieronymus Bosch, conocido como 'Del Madroño'". [66] Tras 342 años ininterrumpidos en El Escorial, la obra se trasladó al Museo del Prado en 1939, [67] junto con otras obras de Bosch. El tríptico no estaba particularmente bien conservado, la pintura del panel del medio se había desprendido especialmente alrededor de las juntas de la madera. [52] Sin embargo, recientes trabajos de restauración han logrado recuperarlo y mantenerlo en muy buen estado de calidad y conservación. [68] La pintura normalmente se exhibe en una habitación con otras obras de Bosch. [69]

Poco se sabe con certeza de la vida de Hieronymus Bosch o de los encargos o influencias que pueden haber formado la base de la iconografía de su obra. Se desconoce su fecha de nacimiento, educación y patrocinadores.No hay ningún registro sobreviviente de los pensamientos o pruebas de Bosch sobre lo que lo atrajo e inspiró a un modo de expresión tan individual. [70] A lo largo de los siglos, los historiadores del arte han luchado por resolver esta cuestión, pero las conclusiones siguen siendo fragmentarias en el mejor de los casos. Los eruditos han debatido la iconografía de Bosch más extensamente que la de cualquier otro artista holandés. [71] Sus obras generalmente se consideran enigmáticas, lo que lleva a algunos a especular que su contenido se refiere al conocimiento esotérico contemporáneo que se perdió en la historia.

Aunque la carrera de Bosch floreció durante el Alto Renacimiento, vivió en un área donde las creencias de la Iglesia medieval todavía tenían autoridad moral. [73] Habría estado familiarizado con algunas de las nuevas formas de expresión, especialmente las del sur de Europa, aunque es difícil atribuir con certeza qué artistas, escritores y convenciones influyeron en su obra. [71] A José de Sigüenza se le atribuye la primera crítica extensa de El jardín de las delicias, en su 1605 Historia de la Orden de San Jerónimo. [74] Argumentó en contra de descartar la pintura como herética o simplemente absurda, comentando que los paneles "son un comentario satírico sobre la vergüenza y la pecaminosidad de la humanidad". [74] El historiador del arte Carl Justi observó que los paneles izquierdo y central están empapados en una atmósfera tropical y oceánica, y concluyó que Bosch se inspiró en "la noticia del recientemente descubierto Atlantis y en los dibujos de su paisaje tropical, al igual que el mismo Colón, al acercarse a tierra firme, pensó que el lugar que había encontrado en la desembocadura del Orinoco era el sitio del Paraíso Terrenal ”. [75] El período en el que se creó el tríptico fue una época de aventuras y descubrimientos, cuando los cuentos y trofeos del Nuevo Mundo despertaron la imaginación de poetas, pintores y escritores. [76] Aunque el tríptico contiene muchas criaturas fantásticas y sobrenaturales, Bosch todavía atraía en sus imágenes y referencias culturales a una audiencia aristocrática y humanista de élite. Bosch reproduce una escena del grabado de Martin Schongauer Huida a Egipto. [77]

La conquista de África y Oriente proporcionó tanto asombro como terror a los intelectuales europeos, ya que llevó a la conclusión de que el Edén nunca podría haber sido una ubicación geográfica real. El jardín hace referencia a la literatura de viajes exóticos del siglo XV a través de los animales, incluidos leones y una jirafa, en el panel de la izquierda. La jirafa se remonta a Cyriac de Ancona, un escritor de viajes conocido por sus visitas a Egipto durante la década de 1440. El exotismo de los suntuosos manuscritos de Cyriac puede haber inspirado la imaginación de Bosch. [78]

La cartografía y la conquista de este nuevo mundo hicieron regiones reales que antes solo estaban idealizadas en la imaginación de artistas y poetas. Al mismo tiempo, la certeza del viejo paraíso bíblico comenzó a deslizarse de las manos de los pensadores hacia los reinos de la mitología. En respuesta, el tratamiento del Paraíso en la literatura, la poesía y el arte se desplazó hacia una representación utópica ficticia consciente de sí misma, como lo ejemplifican los escritos de Tomás Moro (1478-1535). [79]

Alberto Durero era un ávido estudioso de los animales exóticos y dibujó muchos bocetos basados ​​en sus visitas a los zoológicos europeos. Durero visitó 's-Hertogenbosch durante la vida de Bosch, y es probable que los dos artistas se conocieran y que Bosch se inspiró en la obra del alemán. [80]

Los intentos de encontrar fuentes para el trabajo en la literatura de la época no han tenido éxito. El historiador de arte Erwin Panofsky escribió en 1953 que, "a pesar de toda la investigación ingeniosa, erudita y en parte extremadamente útil dedicada a la tarea de" decodificar a Jerome Bosch ", no puedo evitar sentir que el verdadero secreto de sus magníficas pesadillas y ensoñaciones ha "Aún no se ha revelado. Hemos perforado algunos agujeros en la puerta de la habitación cerrada con llave, pero de alguna manera parece que no hemos descubierto la llave". [81] [82] Se ha sugerido al humanista Desiderius Erasmo como una posible influencia que el escritor vivió en 's-Hertogenbosch en la década de 1480, y es probable que conociera a Bosch. Glum comentó sobre la similitud de tono del tríptico con la opinión de Erasmo de que los teólogos "explican (a su gusto) los misterios más difíciles. ¿Es una posible proposición: Dios el Padre odia al Hijo? ¿Podría Dios haber asumido la forma de una mujer, un diablo? , un asno, una calabaza, una piedra? " [83]

Debido a que solo se conocen los detalles básicos de la vida de Bosch, la interpretación de su trabajo puede ser un área extremadamente difícil para los académicos, ya que depende en gran medida de conjeturas. Se pueden explicar los motivos individuales y los elementos del simbolismo, pero hasta ahora ha sido difícil relacionarlos entre sí y con su obra en su conjunto. [17] Las enigmáticas escenas representadas en los paneles del tríptico interior de El jardín de las delicias han sido estudiados por muchos estudiosos, que a menudo han llegado a interpretaciones contradictorias. [59] Los análisis basados ​​en sistemas simbólicos que van desde lo alquímico, astrológico y herético hasta lo folclórico y subconsciente han intentado explicar los objetos e ideas complejos presentados en la obra. [84] Hasta principios del siglo XX, se pensaba generalmente que las pinturas de Bosch incorporaban actitudes de literatura didáctica y sermones medievales. Charles De Tolnay escribió que

Los escritores más antiguos, Dominicus Lampsonius y Karel van Mander, adhirieron a su lado más evidente, al tema su concepción del Bosco, inventor de piezas fantásticas de diablura y de escenas infernales, que prevalece hoy (1937) en el gran público, y prevaleció con los historiadores hasta el último cuarto del siglo XIX. [85]

Generalmente, su trabajo se describe como una advertencia contra la lujuria y el panel central como una representación de la fugacidad del placer mundano. En 1960, el historiador de arte Ludwig von Baldass escribió que Bosch muestra "cómo el pecado llegó al mundo a través de la creación de Eva, cómo los deseos carnales se extendieron por toda la tierra, promoviendo todos los pecados capitales, y cómo esto necesariamente conduce directamente al infierno". . [86] De Tolnay escribió que el panel central representa "la pesadilla de la humanidad", donde "el propósito del artista sobre todo es mostrar las malas consecuencias del placer sensual y enfatizar su carácter efímero". [87] Los partidarios de este punto de vista sostienen que la pintura es una narración secuencial, que representa el estado inicial de inocencia de la humanidad en el Edén, seguido de la subsiguiente corrupción de esa inocencia y, finalmente, su castigo en el infierno. En diversas épocas de su historia, el tríptico ha sido conocido como La Lujuria, Los pecados del mundo y La paga del pecado. [30]

Los defensores de esta idea señalan que los moralistas durante la era de Bosch creían que era la tentación de la mujer —en última instancia de Eva— la que atraía a los hombres a una vida de lujuria y pecado. Esto explicaría por qué las mujeres del panel central se encuentran entre las participantes activas en el logro de la Caída. En ese momento, el poder de la feminidad a menudo se mostraba mostrando a una mujer rodeada por un círculo de hombres. Un grabado de finales del siglo XV de Israhel van Meckenem muestra a un grupo de hombres brincando en éxtasis alrededor de una figura femenina. El Maestro de las Banderolas 1460 trabaja el Piscina de la Juventud De manera similar, muestra a un grupo de mujeres de pie en un espacio rodeado de figuras admiradas. [31]

Esta línea de razonamiento es consistente con las interpretaciones de las otras obras moralizantes importantes de Bosch que sostienen la locura del hombre La muerte y el avaro y el Carro de heno. Aunque, según el historiador del arte Walter Bosing, cada una de estas obras está representada de una manera que es difícil de creer, "Bosch pretendía condenar lo que pintó con formas y colores tan visualmente encantadores". Bosing concluye que una mentalidad medieval sospechaba naturalmente de la belleza material, en cualquier forma, y ​​que la suntuosidad de la descripción de Bosch puede haber tenido la intención de transmitir un paraíso falso, repleto de belleza pasajera. [88]

En 1947, Wilhelm Fränger argumentó que el panel central del tríptico retrata un mundo alegre en el que la humanidad experimentará un renacimiento de la inocencia de la que disfrutaban Adán y Eva antes de su caída. [89] En su libro El milenio de Hieronymus Bosch, Fränger escribió que Bosch era miembro de la secta herética conocida como los Adamitas, que también eran conocidos como los Homines intelligentia y Hermanos y Hermanas del Espíritu Libre. Este grupo radical, activo en el área del Rin y los Países Bajos, luchó por una forma de espiritualidad inmune al pecado incluso en la carne, e imbuyó el concepto de lujuria con una inocencia paradisíaca. [90]

Fränger creyó El jardín de las delicias fue encargado por el Gran Maestre de la orden. Los críticos posteriores han acordado que, debido a su oscura complejidad, los "retablos" de Bosch bien pueden haber sido encargados con fines no devocionales. los Homines intelligentia El culto buscaba recuperar la sexualidad inocente de la que disfrutaban Adán y Eva antes de la Caída. Fränger escribe que las figuras de la obra de Bosch "están retozando pacíficamente por el tranquilo jardín en inocencia vegetativa, en armonía con los animales y las plantas, y la sexualidad que los inspira parece ser pura alegría, pura felicidad". [91] Fränger argumentó en contra de la noción de que el infierno muestra la retribución impuesta por los pecados cometidos en el panel central. Fränger vio a las figuras en el jardín como pacíficas, ingenuas e inocentes al expresar su sexualidad y en armonía con la naturaleza. Por el contrario, los castigados en el infierno son "músicos, jugadores, profanadores del juicio y el castigo". [30]

Examinando el simbolismo en el arte de Bosch - "los enigmas monstruosos ... la fantasmagoría irresponsable de un extático" - Fränger concluyó que su interpretación se aplicaba solo a los tres retablos de Bosch: El jardín de las delicias, La Tentación de San Antonio, y el Tríptico de carro de heno. Fränger distinguió estas piezas de las otras obras del artista y argumentó que, a pesar de su polémica anticlerical, eran todos retablos, probablemente comisionados con los propósitos devocionales de un culto misterioso. [92] Si bien los comentaristas aceptan el análisis de Fränger como astuto y de amplio alcance, a menudo han cuestionado sus conclusiones finales. Muchos estudiosos los consideran solo hipótesis, y se basan en una base inestable y lo que solo puede ser conjetura. Los críticos argumentan que los artistas de este período pintaron no por su propio placer sino por encargo, mientras que el lenguaje y la secularización de una mentalidad posrrenacentista proyectada en Bosch habría sido ajena al pintor de finales de la Edad Media. [93]

La tesis de Fränger estimuló a otros a examinar El jardín más cerca. El escritor Carl Linfert también siente la alegría de la gente en el panel central, pero rechaza la afirmación de Fränger de que la pintura es una obra "doctrinaria" que defiende la "sexualidad sin culpa" de la secta adamita. [94] Mientras las figuras se involucran en actos amorosos sin ninguna sugerencia de lo prohibido, Linfert señala los elementos en el panel central que sugieren muerte y temporalidad: algunas figuras se apartan de la actividad, pareciendo perder la esperanza de obtener placer del retozar apasionado. de sus cohortes. Escribiendo en 1969, EH Gombrich se basó en una lectura atenta del Génesis y el Evangelio según San Mateo para sugerir que el panel central es, según Linfert, "el estado de la humanidad en vísperas del Diluvio, cuando los hombres todavía buscaban el placer con ningún pensamiento del mañana, su único pecado es la falta de conciencia del pecado. " [94]


Contenido

Vida temprana

Samuel Langhorne Clemens nació el 30 de noviembre de 1835 en Florida, Missouri. Fue el sexto de siete hijos de Jane (de soltera Lampton 1803-1890), natural de Kentucky, y John Marshall Clemens (1798-1847), natural de Virginia. Sus padres se conocieron cuando su padre se mudó a Missouri. Se casaron en 1823. [7] [8] Twain era de ascendencia inglesa, escocesa e irlandesa de Cornualles. [9] [10] [11] [12] Sólo tres de sus hermanos sobrevivieron a la infancia: Orión (1825-1897), Henry (1838-1858) y Pamela (1827-1904). Su hermano Pleasant Hannibal (1828) murió a las tres semanas de edad, [13] [14] su hermana Margaret (1830-1839) cuando Twain tenía tres años y su hermano Benjamin (1832-1842) tres años después.

Cuando tenía cuatro años, la familia de Twain se mudó a Hannibal, Missouri, [15] una ciudad portuaria en el río Mississippi que inspiró la ciudad ficticia de San Petersburgo en Las aventuras de Tom Sawyer y el Aventuras de Huckleberry Finn. [16] La esclavitud era legal en Missouri en ese momento y se convirtió en un tema en estos escritos. Su padre era abogado y juez, y murió de neumonía en 1847, cuando Twain tenía 11 años. [17] Al año siguiente, Twain dejó la escuela después del quinto grado para convertirse en aprendiz de impresor. [1] En 1851, comenzó a trabajar como tipógrafo, contribuyendo con artículos y bocetos humorísticos a la Diario de Hannibal, un periódico propiedad de Orion. Cuando tenía 18 años, dejó a Hannibal y trabajó como impresor en la ciudad de Nueva York, Filadelfia, St. Louis y Cincinnati, y se unió a la recién formada Unión Tipográfica Internacional, el sindicato de impresores. Se educaba a sí mismo en bibliotecas públicas por las tardes, encontrando información más amplia que en una escuela convencional. [18]

Twain describe su infancia en La vida en el Mississippi, afirmando que "sólo había una ambición permanente" entre sus compañeros: ser un barco de vapor. "Piloto era el puesto más grandioso de todos. El piloto, incluso en aquellos días de salarios triviales, tenía un salario principesco, de ciento cincuenta a doscientos cincuenta dólares al mes, y no tenía comida que pagar". Como lo describió Twain, el prestigio del piloto excedía al del capitán. El piloto tuvo que "entablar una cálida relación personal con todos los viejos obstáculos y álamos de una sola rama y todos los oscuros montones de madera que adornan las orillas de este río a lo largo de mil doscientas millas y más que eso, debe. Realmente saber dónde están estas cosas. la oscuridad". El piloto de Steamboat Horace E. Bixby tomó a Twain como piloto cachorro para enseñarle el río entre Nueva Orleans y St. Louis por $ 500 (equivalente a $ 15,000 en 2020), pagaderos con el primer salario de Twain después de graduarse. Twain estudió el Mississippi, aprendió sus puntos de referencia, cómo navegar sus corrientes de manera efectiva y cómo leer el río y sus canales en constante cambio, arrecifes, obstáculos sumergidos y rocas que "arrancarían la vida al barco más fuerte que jamás haya flotado". . [19] Pasaron más de dos años antes de que recibiera su licencia de piloto. Pilotar también le dio su seudónimo de "mark twain", el grito del líder por una profundidad medida del río de dos brazas (12 pies), que era agua segura para un barco de vapor. [20] [21]

Cuando era un joven piloto, Clemens sirvió en el vapor A. B. Salas con Grant Marsh, quien se hizo famoso por sus hazañas como capitán de un barco de vapor en el río Missouri. Los dos se querían, se admiraban y mantuvieron correspondencia durante muchos años después de que Clemens dejó el río. [22]

Mientras entrenaba, Samuel convenció a su hermano menor Henry para que trabajara con él, e incluso le consiguió un puesto de empleado de barro en el barco de vapor. Pensilvania. El 13 de junio de 1858, la caldera del barco de vapor explotó Henry sucumbió a sus heridas el 21 de junio. Twain afirmó haber previsto esta muerte en un sueño un mes antes, [23]: 275 que inspiró su interés en la parapsicología del que fue uno de los primeros miembros de la Sociedad para la Investigación Psíquica. [24] Twain se sintió culpable y se hizo responsable por el resto de su vida. Continuó trabajando en el río y fue piloto de río hasta que estalló la Guerra Civil en 1861, cuando se redujo el tráfico a lo largo del río Mississippi. Al comienzo de las hostilidades, se alistó brevemente en una unidad confederada local. Más tarde escribió el boceto "La historia privada de una campaña que fracasó", describiendo cómo él y sus amigos habían sido voluntarios confederados durante dos semanas antes de disolverse. [25]

Luego se fue a Nevada para trabajar para su hermano Orion, quien era Secretario del Territorio de Nevada. Twain describe el episodio en su libro. Desbastarlo. [26] [27] : 147

En el oeste americano

Orion se convirtió en secretario del gobernador del Territorio de Nevada, James W. Nye, en 1861, y Twain se unió a él cuando se mudó al oeste. Los hermanos viajaron más de dos semanas en una diligencia por las Grandes Llanuras y las Montañas Rocosas, visitando la comunidad mormona en Salt Lake City.

El viaje de Twain terminó en la ciudad minera de plata de Virginia City, Nevada, donde se convirtió en minero en Comstock Lode. [25] Fracasó como minero y se fue a trabajar en el periódico de Virginia City. Empresa territorial, [28] trabajando con un amigo, el escritor Dan DeQuille. Primero usó su seudónimo aquí el 3 de febrero de 1863, cuando escribió una divertida cuenta de viajes titulada "Carta de Carson - re: fiesta de Joe Goodman en la música del gobernador Johnson" y la firmó "Mark Twain". [29] [30]

Sus experiencias en el oeste americano inspiraron Desbastarlo, escrito durante 1870-1871 y publicado en 1872. Sus experiencias en Angels Camp (en el condado de Calaveras, California) proporcionaron material para "La famosa rana saltarina del condado de Calaveras" (1865).

Twain se mudó a San Francisco en 1864, todavía como periodista, y conoció a escritores como Bret Harte y Artemus Ward. Pudo haber tenido una relación sentimental con la poeta Ina Coolbrith. [31]

Su primer éxito como escritor se produjo cuando su divertido cuento "La célebre rana saltarina del condado de Calaveras" se publicó el 18 de noviembre de 1865 en el semanario de Nueva York. The Saturday Press, atrayéndole la atención nacional. Un año después, viajó a las Islas Sandwich (actual Hawái) como reportero del Unión de Sacramento. Sus cartas al Unión fueron populares y se convirtieron en la base de sus primeras conferencias. [32]

En 1867, un periódico local financió su viaje al Mediterráneo a bordo del Quaker City, que incluye una gira por Europa y Oriente Medio. Escribió una colección de cartas de viaje que luego se compilaron como Los inocentes en el extranjero (1869). Fue en este viaje que conoció a su compañero de viaje Charles Langdon, quien le mostró una foto de su hermana Olivia. Más tarde, Twain afirmó haberse enamorado a primera vista. [33]

Al regresar a los Estados Unidos, a Twain se le ofreció la membresía honoraria en la sociedad secreta Scroll and Key de la Universidad de Yale en 1868. [34]

Matrimonio e hijos

Twain y Olivia Langdon mantuvieron correspondencia a lo largo de 1868. Después de que ella rechazara su primera propuesta de matrimonio, se casaron en Elmira, Nueva York, en febrero de 1870, [32] donde la cortejó y logró superar la desgana inicial de su padre. [36] Ella provenía de una "familia rica pero liberal" a través de ella, conoció a abolicionistas, "socialistas, ateos de principios y activistas por los derechos de la mujer y la igualdad social", incluidos Harriet Beecher Stowe, Frederick Douglass y el escritor socialista utópico William Dean Howells. , [37] quien se convirtió en un amigo desde hace mucho tiempo. Los Clemenses vivieron en Buffalo, Nueva York, desde 1869 hasta 1871. Poseía una participación en el Buffalo Express periódico y trabajó como editor y escritor. [38] [35] Mientras vivían en Buffalo, su hijo Langdon murió de difteria a la edad de 19 meses. Tuvieron tres hijas: Susy (1872-1896), Clara (1874-1962), [39] y Jean (1880-1909). Los Clemenses entablaron amistad con David Gray, quien se desempeñaba como editor de la rival Mensajero de Buffaloy su esposa Martha. Twain escribió más tarde que los Grises eran "'todo el consuelo' que él y Livy tuvieron durante su 'breve y triste y patética estancia en Buffalo'", y que el "delicado don de Gray para la poesía" se desperdició trabajando para un periódico. [35]

En noviembre de 1872, Twain era un pasajero en el barco de vapor Cunard Line. Batavia que rescató a los nueve tripulantes supervivientes de la barca británica Charles Ward. Twain presenció el rescate y escribió a la Royal Humane Society recomendándolos honrar Batavia El capitán y la tripulación que tripulaba el bote salvavidas. [40] A partir de 1873, Twain trasladó a su familia a Hartford, Connecticut, donde organizó la construcción de una casa al lado de Stowe. En las décadas de 1870 y 1880, la familia veraneaba en Quarry Farm en Elmira, el hogar de la hermana de Olivia, Susan Crane. [41] [42] En 1874, [41] Susan hizo construir un estudio aparte de la casa principal para que Twain tuviera un lugar tranquilo en el que escribir. Además, fumaba puros constantemente y Susan no quería que lo hiciera en su casa.

Twain escribió muchas de sus novelas clásicas durante sus 17 años en Hartford (1874–1891) y más de 20 veranos en Quarry Farm. Incluyen Las aventuras de Tom Sawyer (1876), El príncipe y el mendigo (1881), La vida en el Mississippi (1883), Aventuras de Huckleberry Finn (1884) y Un yanqui de Connecticut en la corte del rey Arturo (1889). [ cita necesaria ]

El matrimonio de la pareja duró 34 años hasta la muerte de Olivia en 1904. Toda la familia Clemens está enterrada en el cementerio Woodlawn de Elmira.

Amor por la ciencia y la tecnología

Twain estaba fascinado con la ciencia y la investigación científica. Desarrolló una amistad cercana y duradera con Nikola Tesla, y los dos pasaron mucho tiempo juntos en el laboratorio de Tesla.

Twain patentó tres inventos, incluida una "Mejora en correas ajustables y desmontables para prendas" (para reemplazar los tirantes) y un juego de trivia de historia. [43] [44] El mayor éxito comercial fue un álbum de recortes autoadhesivo, un adhesivo seco en las páginas que solo necesitaba humedecerse antes de su uso. [43] Se vendieron más de 25.000. [43]

Twain fue uno de los primeros defensores de la toma de huellas dactilares como técnica forense, presentándola en un cuento en La vida en el Mississippi (1883) y como elemento central de la trama de la novela Pudd'nhead Wilson (1894).

La novela de Twain Un yanqui de Connecticut en la corte del rey Arturo (1889) presenta a un viajero en el tiempo de los EE. UU. Contemporáneos, que utiliza su conocimiento de la ciencia para introducir la tecnología moderna en la Inglaterra artúrica. Este tipo de manipulación histórica se convirtió en un tropo de ficción especulativa como historias alternativas.

En 1909, Thomas Edison visitó a Twain en Stormfield, su casa en Redding, Connecticut, y lo filmó. Parte del metraje se utilizó en El príncipe y el mendigo (1909), cortometraje de dos carretes. Es el único metraje de película existente conocido de Twain. [45]

Problemas financieros

Twain ganó una cantidad sustancial de dinero a través de sus escritos, pero perdió mucho a través de inversiones. Invirtió principalmente en nuevos inventos y tecnología, particularmente en la máquina de composición tipográfica Paige. Era una maravilla mecánica bellamente diseñada que sorprendía a los espectadores cuando funcionaba, pero era propensa a averías. Twain gastó $ 300,000 (igual a $ 9,000,000 en términos ajustados por inflación [46]) en él entre 1880 y 1894, [47] pero antes de que pudiera perfeccionarse, Linotype lo volvió obsoleto. Perdió la mayor parte de las ganancias de sus libros, así como una parte sustancial de la herencia de su esposa. [48]

Twain también perdió dinero a través de su editorial, Charles L. Webster and Company, que disfrutó de un éxito inicial vendiendo las memorias de Ulysses S. Grant pero fracasó poco después, perdiendo dinero en una biografía del Papa León XIII. Se vendieron menos de 200 copias. [48]

Twain y su familia cerraron su costosa casa en Hartford en respuesta a la disminución de los ingresos y se mudaron a Europa en junio de 1891. William M. Laffan de El sol de Nueva York y el McClure Newspaper Syndicate le ofreció la publicación de una serie de seis cartas europeas. Twain, Olivia y su hija Susy enfrentaban problemas de salud y creían que sería beneficioso visitar los baños europeos. [49]: 175 La familia permaneció principalmente en Francia, Alemania e Italia hasta mayo de 1895, con períodos más prolongados en Berlín (invierno de 1891-92), Florencia (otoño e invierno de 1892-93) y París (inviernos y primaveras de 1893- 94 y 1894-1895). Durante ese período, Twain regresó cuatro veces a Nueva York debido a sus constantes problemas comerciales. Tomó "una habitación barata" en septiembre de 1893 a $ 1,50 por día (equivalente a $ 43 en 2020) en The Players Club, que tuvo que conservar hasta marzo de 1894, mientras tanto, se convirtió en "la Bella de Nueva York", en palabras de biógrafo Albert Bigelow Paine. [49]: 176-190

Los escritos y conferencias de Twain le permitieron recuperarse económicamente, combinado con la ayuda de su amigo, Henry Huttleston Rogers. [50] En 1893 comenzó una amistad con el financiero, un director de Standard Oil, que duró el resto de su vida. Rogers primero lo hizo declararse en bancarrota en abril de 1894, luego hizo que transfiriera los derechos de autor de sus obras escritas a su esposa para evitar que los acreedores las poseyeran. Finalmente, Rogers se hizo cargo absoluto del dinero de Twain hasta que se pagó a todos sus acreedores. [49]: 188

Twain aceptó una oferta de Robert Sparrow Smythe [51] y se embarcó en una gira de conferencias alrededor del mundo de un año en julio de 1895 [52] para pagar a sus acreedores en su totalidad, aunque ya no tenía ninguna obligación legal de hacerlo. . [53] Fue un viaje largo y arduo y estuvo enfermo la mayor parte del tiempo, principalmente por un resfriado y un carbunco. La primera parte del itinerario lo llevó por el norte de América hasta la Columbia Británica, Canadá, hasta la segunda quincena de agosto. Para la segunda parte, navegó por el Océano Pacífico. Su conferencia programada en Honolulu, Hawaii tuvo que ser cancelada debido a una epidemia de cólera. [49]: 188 [54] Twain viajó a Fiji, Australia, Nueva Zelanda, Sri Lanka, India, Mauricio y Sudáfrica. Sus tres meses en la India se convirtieron en la pieza central de su libro de 712 páginas. Siguiendo el ecuador. En la segunda quincena de julio de 1896, navegó de regreso a Inglaterra, completando su circunnavegación del mundo comenzada 14 meses antes. [49]: 188

Twain y su familia pasaron cuatro años más en Europa, principalmente en Inglaterra y Austria (octubre de 1897 a mayo de 1899), con períodos más prolongados en Londres y Viena. Clara había querido estudiar piano con Theodor Leschetizky en Viena. [49]: 192–211 Sin embargo, la salud de Jean no se benefició de consultar con especialistas en Viena, la "Ciudad de los médicos". [55] La familia se mudó a Londres en la primavera de 1899, siguiendo el ejemplo de Poultney Bigelow, quien tuvo una buena experiencia al ser tratado por el Dr. Jonas Henrik Kellgren, un osteópata sueco en Belgravia. Fueron persuadidos de pasar el verano en el sanatorio de Kellgren junto al lago en el pueblo sueco de Sanna. Volviendo en otoño, continuaron el tratamiento en Londres, hasta que Twain estuvo convencido por largas investigaciones en Estados Unidos de que allí se disponía de experiencia osteopática similar. [56]

A mediados de 1900, fue invitado por el propietario del periódico Hugh Gilzean-Reid en Dollis Hill House, ubicado en el lado norte de Londres. Twain escribió que "nunca había visto un lugar que estuviera tan satisfactoriamente situado, con sus nobles árboles y su extensión de campo, y todo lo que hacía la vida placentera, y todo a un tiro de galleta de la metrópoli del mundo". [57] Luego regresó a Estados Unidos en octubre de 1900, habiendo ganado lo suficiente para pagar sus deudas. En el invierno de 1900/01, se convirtió en el oponente más prominente del imperialismo en su país, planteando el tema en sus discursos, entrevistas y escritos. En enero de 1901, comenzó a servir como vicepresidente de la Liga Antiimperialista de Nueva York. [58]

Charlas

Twain tuvo una gran demanda como orador destacado, realizando charlas humorísticas en solitario similares a la comedia moderna. [59] Dio charlas pagadas en muchos clubes de hombres, incluido el Authors 'Club, Beefsteak Club, Vagabonds, White Friars y Monday Evening Club of Hartford.

A finales de la década de 1890, habló con el Savage Club de Londres y fue elegido miembro honorario. Le dijeron que sólo tres hombres habían sido tan honrados, incluido el Príncipe de Gales, y respondió: "Bueno, debe hacer que el Príncipe se sienta muy bien". [49]: 197 Visitó Melbourne y Sydney en 1895 como parte de una gira mundial de conferencias. En 1897, habló en el Concordia Press Club de Viena como invitado especial, siguiendo al diplomático Charlemagne Tower, Jr. Él pronunció el discurso "Die Schrecken der Deutschen Sprache"(" Los horrores de la lengua alemana ") - en alemán - para gran diversión de la audiencia. [27]: 50 En 1901, fue invitado a hablar en la Sociedad Literaria Cliosófica de la Universidad de Princeton, donde fue nombrado miembro honorario . [60]

Visitas canadienses

En 1881, Twain fue honrado en un banquete en Montreal, Canadá, donde hizo referencia a la obtención de derechos de autor. [61] En 1883, realizó una breve visita a Ottawa, [62] y visitó Toronto dos veces en 1884 y 1885 en una gira de lectura con George Washington Cable, conocida como la gira "Twins of Genius". [62] [63] [64]

La razón de las visitas a Toronto fue asegurar los derechos de autor canadienses y británicos para su próximo libro. Aventuras de Huckleberry Finn, [62] [64] al que había aludido en su visita a Montreal. El motivo de la visita a Ottawa había sido asegurar los derechos de autor canadienses y británicos para La vida en el Mississippi. [62] Los editores de Toronto habían impreso ediciones no autorizadas de sus libros en ese momento, antes de que se estableciera un acuerdo internacional de derechos de autor en 1891. [62] Estos se vendieron en los Estados Unidos así como en Canadá, privándolo de regalías. Estimó que la edición de Belford Brothers de Las aventuras de Tom Sawyer solo le había costado diez mil dólares (equivalente a 290.000 dólares en 2020). [62] Había intentado sin éxito obtener los derechos de El príncipe y el mendigo en 1881, junto con su viaje a Montreal. [62] Finalmente, recibió asesoramiento legal para registrar un derecho de autor en Canadá (tanto para Canadá como para Gran Bretaña) antes de publicar en los Estados Unidos, lo que impediría que los editores canadienses imprimieran una versión cuando se publicara la edición estadounidense. [62] [64] Existía el requisito de que un residente canadiense registrara un derecho de autor. Él abordó este tema en sus breves visitas al país. [62] [64]

Vida posterior y muerte

Twain vivió en sus últimos años en 14 West 10th Street en Manhattan. [66] Pasó por un período de profunda depresión que comenzó en 1896 cuando su hija Susy murió de meningitis. La muerte de Olivia en 1904 y la de Jean el 24 de diciembre de 1909 profundizaron su tristeza. [1] El 20 de mayo de 1909, su amigo cercano Henry Rogers murió repentinamente. En abril de 1906, se enteró de que su amiga Ina Coolbrith había perdido casi todo lo que tenía en el terremoto de San Francisco de 1906, y ofreció como voluntario algunas fotografías de retratos autografiadas para venderlas en su beneficio. Para ayudar aún más a Coolbrith, George Wharton James visitó a Twain en Nueva York y organizó una nueva sesión de retratos. Al principio se resistió, pero finalmente admitió que cuatro de las imágenes resultantes eran las mejores jamás tomadas de él. [67] En septiembre, Twain comenzó a publicar capítulos de su autobiografía en la Revisión de América del Norte. [68] El mismo año, Charlotte Teller, una escritora que vivía con su abuela en el número 3 de la Quinta Avenida, comenzó una relación con él que "duró varios años y puede haber incluido intenciones románticas" de su parte. [69]

Twain formó un club en 1906 para niñas a quienes veía como nietas sustitutas llamado Angel Fish and Aquarium Club. La docena de miembros tenían entre 10 y 16 años. Intercambió cartas con sus chicas "Angel Fish" y las invitó a conciertos, teatro y juegos. Twain escribió en 1908 que el club era "el principal placer de su vida". [27]: 28 En 1907, conoció a Dorothy Quick (de 11 años) en una travesía transatlántica, comenzando "una amistad que duró hasta el mismo día de su muerte". [70]

Twain recibió un Doctorado Honoris Causa en Letras (D. Litt.) Por la Universidad de Oxford en 1907.

Twain nació dos semanas después del acercamiento más cercano del cometa Halley en 1835, dijo en 1909: [49]

Entré con Halley's Comet en 1835. Viene de nuevo el año que viene y espero salir con él. Será la mayor decepción de mi vida si no salgo con Halley's Comet. El Todopoderoso ha dicho, sin duda: "Ahora aquí están estos dos monstruos inexplicables que vinieron juntos, deben salir juntos".

La predicción de Twain fue precisa: murió de un ataque al corazón el 21 de abril de 1910 en Stormfield, un día después de la aproximación más cercana del cometa a la Tierra.

Al enterarse de la muerte de Twain, el presidente William Howard Taft dijo: [71] [72]

Mark Twain brindó placer, verdadero disfrute intelectual, a millones, y sus obras seguirán brindando tal placer a millones aún por venir ... Su humor era estadounidense, pero era casi tan apreciado por los ingleses y la gente de otros países como por los suyos. compatriotas. Ha hecho una parte perdurable de la literatura estadounidense.

El funeral de Twain fue en la Iglesia Presbiteriana de Brick en la Quinta Avenida, Nueva York. [73] Está enterrado en la parcela familiar de su esposa en el cementerio Woodlawn en Elmira, Nueva York. La trama de la familia Langdon está marcada por un monumento de 12 pies (dos brazas, o "marca twain") colocado allí por su hija sobreviviente Clara. [74] También hay una lápida más pequeña. Expresó su preferencia por la cremación (por ejemplo, en La vida en el Mississippi), pero reconoció que su familia sobreviviente tendría la última palabra.

Los funcionarios de Connecticut y Nueva York estimaron el valor de la herencia de Twain en $ 471,000 ($ 13,000,000 en la actualidad). [75]

Visión general

Twain comenzó su carrera escribiendo versos ligeros y humorísticos, pero se convirtió en un cronista de las vanidades, hipocresías y actos asesinos de la humanidad. A mitad de su carrera, combinó el humor rico, la narrativa sólida y la crítica social en Finn arándano. Fue un maestro en la interpretación de discursos coloquiales y ayudó a crear y popularizar una literatura estadounidense distintiva construida sobre temas y lenguaje estadounidenses.

Muchas de sus obras han sido suprimidas en ocasiones por diversas razones. los Aventuras de Huckleberry Finn ha sido restringido repetidamente en las escuelas secundarias estadounidenses, sobre todo por el uso frecuente de la palabra "nigger", [76] que era de uso común en el período anterior a la Guerra Civil en el que se ambienta la novela.

Es casi imposible compilar una bibliografía completa de las obras de Twain debido a la gran cantidad de piezas que escribió (a menudo en periódicos oscuros) y al uso de varios seudónimos diferentes. Además, una gran parte de sus discursos y conferencias se han perdido o no se han grabado, por lo que la compilación de las obras de Twain es un proceso continuo. Los investigadores redescubrieron material publicado tan recientemente como 1995 y 2015. [48] [77]

Periodismo temprano y relatos de viaje

Twain estaba escribiendo para el periódico de la ciudad de Virginia el Empresa territorial en 1863 cuando conoció al abogado Tom Fitch, editor del periódico competidor Virginia Daily Union y conocido como el "orador de lengua plateada del Pacífico". [78]: 51 Le dio crédito a Fitch por haberle dado su "primera lección realmente provechosa" por escrito. "Cuando comencé a dar conferencias, y en mis escritos anteriores", comentó Twain más tarde, "mi única idea era hacer un capital cómico de todo lo que veía y oía". [79] En 1866, presentó su conferencia sobre las Islas Sandwich a una multitud en Washoe City, Nevada. [80] Posteriormente, Fitch le dijo:

Clemens, su conferencia fue magnífica. Fue elocuente, conmovedor, sincero. Nunca en toda mi vida había escuchado una narración descriptiva tan magnífica. Pero cometiste un pecado imperdonable: el pecado imperdonable. Es un pecado que nunca debes volver a cometer. Cerró una descripción de lo más elocuente, con la que había subido a su audiencia a un tono del más intenso interés, con una pieza de anticlímax atroz que anulaba todo el efecto realmente fino que había producido. [81]

Fue en estos días cuando Twain se convirtió en un escritor de la Escuela Sagebrush; más tarde fue conocido como su miembro más famoso. [82] Su primera obra importante fue "La famosa rana saltarina del condado de Calaveras", publicada en la Prensa del sábado de Nueva York el 18 de noviembre de 1865. Después de una explosión de popularidad, el Unión de Sacramento le encargó que escribiera cartas sobre sus experiencias de viaje. El primer viaje que hizo para este trabajo fue montar en el vapor Ajax en su viaje inaugural a las Islas Sandwich (Hawai). Mientras tanto, estaba escribiendo cartas al periódico que estaban destinadas a publicar, relatando sus experiencias con humor. Estas cartas resultaron ser la génesis de su trabajo con el San Francisco. Alta California periódico, que lo designó corresponsal itinerante para un viaje de San Francisco a la ciudad de Nueva York a través del istmo de Panamá.

El 8 de junio de 1867 zarpó en el crucero de placer. Quaker City durante cinco meses, y este viaje resultó en Los inocentes en el extranjero o el nuevo progreso de los peregrinos. En 1872, publicó su segunda literatura de viajes, Desbastarlo, como un relato de su viaje de Missouri a Nevada, su vida posterior en el oeste americano y su visita a Hawai. El libro satiriza a la sociedad estadounidense y occidental de la misma manera que Inocentes criticó a los distintos países de Europa y Oriente Medio. Su siguiente trabajo fue La edad dorada: una historia de hoy, su primer intento de escribir una novela. El libro, escrito con su vecino Charles Dudley Warner, es también su única colaboración.

El siguiente trabajo de Twain se basó en sus experiencias en el río Mississippi. Viejos tiempos en el Mississippi fue una serie de bocetos publicados en el Atlántico mensual en 1875 presentando su desilusión con el romanticismo. [83] Viejos tiempos eventualmente se convirtió en el punto de partida para La vida en el Mississippi.

Tom Sawyer y Finn arándano

La siguiente gran publicación de Twain fue Las aventuras de Tom Sawyer, que se basa en su juventud en Hannibal. Tom Sawyer se inspiró en Twain cuando era niño, con rastros de sus compañeros de escuela John Briggs y Will Bowen. [ cita necesaria ] El libro también presenta a Huckleberry Finn en un papel secundario, basado en el amigo de la infancia de Twain, Tom Blankenship.

El príncipe y el mendigo no fue tan bien recibido, a pesar de una historia que es común en el cine y la literatura de hoy. El libro cuenta la historia de dos niños nacidos el mismo día que son físicamente idénticos, actuando como un comentario social cuando el príncipe y el mendigo cambian de lugar. Twain había comenzado Aventuras de Huckleberry Finn (que constantemente tenía problemas para completar) [84] y había completado su libro de viajes Un vagabundo en el extranjero, que describe sus viajes por el centro y sur de Europa.

El siguiente trabajo importante publicado de Twain fue el Aventuras de Huckleberry Finn, lo que lo confirmó como un escritor estadounidense digno de mención. Algunos lo han llamado la primera gran novela estadounidense, y el libro se ha convertido en una lectura obligatoria en muchas escuelas de los Estados Unidos. Finn arándano era una rama de Tom Sawyer y tenía un tono más serio que su antecesor. Cuatrocientas páginas del manuscrito fueron escritas a mediados de 1876, justo después de la publicación de Tom Sawyer. El último quinto de Finn arándano está sujeto a mucha controversia. Algunos dicen que Twain experimentó una "falta de valor", como dice el crítico Leo Marx. Ernest Hemingway dijo una vez sobre Finn arándano:

Si lo lees, debes detenerte donde el Nigger Jim les robaron a los chicos. Ese es el verdadero final. El resto es trampa.

Hemingway también escribió en el mismo ensayo:

Toda la literatura estadounidense moderna proviene de un libro de Mark Twain llamado Finn arándano. [85]

Cerca de la finalización de Finn arándano, Escribió Twain La vida en el Mississippi, que se dice que influyó mucho en la novela. [48] ​​El trabajo de viajes relata los recuerdos y las nuevas experiencias de Twain después de una ausencia de 22 años del río Mississippi. En él, también explica que "Mark Twain" fue la llamada que se hizo cuando el barco estaba en agua segura, lo que indica una profundidad de dos (o dos) brazas (12 pies o 3,7 metros).

La cueva de McDowell, ahora conocida como la cueva de Mark Twain en Hannibal, Missouri, y mencionada con frecuencia en el libro de Twain. Las aventuras de Tom Sawyer—Tiene "Sam Clemens", el nombre real de Twain, grabado en la pared por el propio Twain. [86]

Escritura posterior

Twain produjo la obra del presidente Ulysses S. Grant Memorias a través de su incipiente editorial, Charles L. Webster & amp Company, de la que era copropietario con Charles L. Webster, su sobrino por matrimonio. [87]

En este momento también escribió "La historia privada de una campaña que fracasó" para La revista Century. Este artículo detalla su período de dos semanas en una milicia confederada durante la Guerra Civil. Luego se centró en Un yanqui de Connecticut en la corte del rey Arturo, escrito con el mismo estilo de ficción histórica que El príncipe y el mendigo. Un yanqui de Connecticut mostró los absurdos de las normas políticas y sociales al establecerlas en la corte del rey Arturo. El libro se inició en diciembre de 1885, luego se archivó unos meses más tarde hasta el verano de 1887, y finalmente se terminó en la primavera de 1889. [ cita necesaria ]

Su siguiente trabajo a gran escala fue Pudd'nhead Wilson, que escribió rápidamente, mientras intentaba desesperadamente evitar la bancarrota. Del 12 de noviembre al 14 de diciembre de 1893, Twain escribió 60.000 palabras para la novela. [48] ​​Críticos [ ¿Quién? ] han señalado esta finalización apresurada como la causa de la organización tosca de la novela y la interrupción constante de la trama. Esta novela también contiene la historia de dos niños nacidos el mismo día que cambian de posición en la vida, como El príncipe y el mendigo. Fue publicado por primera vez en serie en Revista Century y, cuando finalmente se publicó en forma de libro, Pudd'nhead Wilson apareció como el título principal, sin embargo, los "subtítulos" hacen que el título completo se lea: La tragedia de Pudd'nhead Wilson y la comedia de Los gemelos extraordinarios. [48]

La siguiente aventura de Twain fue una obra de ficción pura que llamó Recuerdos personales de Juana de Arco y dedicado a su esposa. Él había dicho durante mucho tiempo [ ¿dónde? ] que este era el trabajo del que estaba más orgulloso, a pesar de las críticas que recibió por ello. El libro había sido un sueño suyo desde la infancia, y afirmó que había encontrado un manuscrito que detallaba la vida de Juana de Arco cuando era adolescente. [48] ​​Esta era otra pieza de la que estaba convencido que salvaría a su editorial. Su asesor financiero Henry Huttleston Rogers anuló esa idea y sacó a Twain de ese negocio por completo, pero el libro se publicó no obstante. [ cita necesaria ]

Para pagar las facturas y mantener a flote sus proyectos comerciales, Twain había comenzado a escribir artículos y comentarios con furia, con rendimientos decrecientes, pero no era suficiente. Se declaró en quiebra en 1894. Durante esta época de graves dificultades financieras, publicó varias reseñas literarias en los periódicos para ayudar a llegar a fin de mes. Se burló de James Fenimore Cooper en su artículo que detalla las "ofensas literarias" de Cooper. Se convirtió en un crítico extremadamente abierto de otros autores y otros críticos sugirió que, antes de elogiar el trabajo de Cooper, Thomas Lounsbury, Brander Matthews y Wilkie Collins "deberían haber leído algo". [88]

George Eliot, Jane Austen y Robert Louis Stevenson también cayeron bajo el ataque de Twain durante este período de tiempo, comenzando alrededor de 1890 y continuando hasta su muerte. [89] Esboza lo que él considera "escritura de calidad" en varias cartas y ensayos, además de proporcionar una fuente para el estilo de "dientes y garras" de la crítica literaria. Él pone énfasis en la concisión, la utilidad de la elección de palabras y el realismo y se queja, por ejemplo, de que Cooper Deerslayer pretende ser realista pero tiene varias deficiencias. Irónicamente, varias de sus propias obras fueron posteriormente criticadas por falta de continuidad (Aventuras de Huckleberry Finn) y organización (Pudd'nhead Wilson).

La esposa de Twain murió en 1904 mientras la pareja se hospedaba en la Villa di Quarto en Florencia. Pasado un tiempo publicó algunas obras que su esposa, su de facto editor y censor a lo largo de su vida de casada, había menospreciado. El extraño misterioso es quizás el más conocido, que describe varias visitas de Satanás a la tierra. Este trabajo en particular no se publicó en vida de Twain. Sus manuscritos incluían tres versiones, escritas entre 1897 y 1905: las llamadas versiones de Hannibal, Eseldorf y Print Shop. La confusión resultante condujo a una extensa publicación de una versión desordenada, y solo recientemente las versiones originales estuvieron disponibles tal como las escribió Twain.

El último trabajo de Twain fue su autobiografía, que dictó y pensó que sería muy entretenido si se fuera por caprichos y tangentes en orden no cronológico. Algunos archiveros y compiladores han reorganizado la biografía en una forma más convencional, eliminando así parte del humor de Twain y la fluidez del libro. El primer volumen de la autobiografía, de más de 736 páginas, fue publicado por la Universidad de California en noviembre de 2010, 100 años después de su muerte, como deseaba Twain. [90] [91] Pronto se convirtió en un éxito de ventas inesperado, [92] convirtiendo a Twain en uno de los pocos autores que publicaron nuevos volúmenes más vendidos en los siglos XIX, XX y XXI.

Censura

Las obras de Twain han sido sometidas a esfuerzos de censura. Según Stuart (2013), "Liderando estas campañas de prohibición, en general, estaban organizaciones religiosas o individuos en posiciones de influencia, no tanto bibliotecarios en activo, a quienes se les había inculcado ese" espíritu bibliotecario "estadounidense que honraba la libertad intelectual (dentro de los límites de curso)". En 1905, la Biblioteca Pública de Brooklyn prohibió tanto Las aventuras de Huckleberry Finn y Las aventuras de Tom Sawyer del departamento de niños por su idioma. [93]

Las opiniones de Twain se volvieron más radicales a medida que envejecía. En una carta a su amigo y colega escritor William Dean Howells en 1887, reconoció que sus puntos de vista habían cambiado y se habían desarrollado a lo largo de su vida, refiriéndose a una de sus obras favoritas:

Cuando terminé Carlyle's revolución Francesa en 1871, era girondino cada vez que lo leía desde entonces, lo he leído de manera diferente, siendo influenciado y cambiado, poco a poco, por la vida y el entorno. y ahora dejo el libro una vez más, ¡y reconozco que soy un Sansculotte! Y no un Sansculotte pálido y sin carácter, sino un Marat. [94] [95]

Antiimperialista

Antes de 1899, Twain era un ardiente imperialista. A finales de la década de 1860 y principios de la de 1870, se pronunció enérgicamente a favor de los intereses estadounidenses en las islas hawaianas. [96] Dijo que la guerra con España en 1898 fue "la guerra más digna" jamás librada. [97] En 1899, sin embargo, cambió de rumbo. En el Heraldo de Nueva York, 16 de octubre de 1900, Twain describe su transformación y despertar político, en el contexto de la guerra filipino-estadounidense, al antiimperialismo:

Quería que el águila americana se adentrara gritando en el Pacífico. ¿Por qué no extender sus alas sobre Filipinas ?, me pregunté. . Me dije a mí mismo: aquí hay un pueblo que ha sufrido durante tres siglos. Podemos hacerlos tan libres como nosotros, darles un gobierno y un país propio, poner a flote una miniatura de la Constitución estadounidense en el Pacífico, iniciar una nueva república que ocupe su lugar entre las naciones libres del mundo. Me parecía una gran tarea a la que nos habíamos dirigido.

Pero he pensado un poco más, desde entonces, y he leído atentamente el tratado de París (que puso fin a la Guerra Hispanoamericana), y he visto que no pretendemos liberar, sino subyugar al pueblo de Filipinas. Hemos ido allí para conquistar, no para redimir.

Me parece que debería ser nuestro placer y deber liberar a esas personas y dejar que se ocupen de sus propias cuestiones domésticas a su manera. Entonces soy un antiimperialista. Me opongo a que el águila ponga sus garras en cualquier otra tierra. [98] [99]

Durante la Rebelión de los Bóxers, Twain dijo que "el Bóxer es un patriota. Ama a su país más que a los países de otras personas. Le deseo éxito". [100]

Desde 1901, poco después de su regreso de Europa, hasta su muerte en 1910, Twain fue vicepresidente de la Liga Antiimperialista Estadounidense, [101] que se opuso a la anexión de Filipinas por los Estados Unidos y tenía "decenas de miles de miembros ". [37] Escribió muchos folletos políticos para la organización. los Incidente en Filipinas, publicado póstumamente en 1924, fue en respuesta a la Masacre del Cráter Moro, en la que murieron seiscientos Moros. [102] Muchos de sus escritos descuidados y no recopilados sobre antiimperialismo aparecieron por primera vez en forma de libro en 1992. [101]

Twain también fue crítico con el imperialismo en otros países. En Siguiendo el ecuador, Twain expresa "odio y condena del imperialismo de todos los tipos". [37] Fue muy crítico con los imperialistas europeos como Cecil Rhodes y el rey Leopoldo II de Bélgica, quienes intentaron establecer colonias en el continente africano durante la Lucha por África. [37] Soliloquio del rey Leopoldo es una sátira política sobre su colonia privada, el Estado Libre del Congo. Los informes de explotación atroz y abusos grotescos provocaron una protesta internacional generalizada a principios del siglo XX, posiblemente el primer movimiento de derechos humanos a gran escala. En el soliloquio, el Rey sostiene que llevar el cristianismo a la colonia pesa más que "un poco de hambre". Los abusos contra los trabajadores forzosos congoleños continuaron hasta que el movimiento obligó al gobierno belga a tomar el control directo de la colonia. [103] [104]

Durante la guerra entre Filipinas y Estados Unidos, Twain escribió una breve historia pacifista titulada La oración de guerra, que señala que el humanismo y la predicación del amor por el cristianismo son incompatibles con la conducción de la guerra. Fue sometido a el bazar de Harper para su publicación, pero el 22 de marzo de 1905, la revista rechazó la historia como "no muy adecuada para una revista de mujeres". Ocho días después, Twain le escribió a su amigo Daniel Carter Beard, a quien le había leído la historia: "No creo que la oración se publique en mi tiempo. A nadie, excepto a los muertos, se les permite decir la verdad". Debido a que tenía un contrato exclusivo con Harper & amp Brothers, Twain no pudo publicar La oración de guerra en otros lugares permaneció inédito hasta 1923. Los manifestantes de la guerra de Vietnam volvieron a publicarlo como material de campaña. [37]

Twain reconoció que originalmente había simpatizado con los girondinos más moderados de la Revolución Francesa y luego cambió sus simpatías hacia los Sansculottes más radicales, identificándose de hecho como "un Marat" y escribiendo que el Reinado del Terror palidecía en comparación con los terrores más antiguos que lo precedió. [105] Twain apoyó a los revolucionarios en Rusia contra los reformistas, argumentando que el zar debe ser eliminado por medios violentos, porque los pacíficos no funcionarían. [106] Resumió sus puntos de vista sobre las revoluciones en la siguiente declaración:

Se dice que soy un revolucionario en mis simpatías, por nacimiento, por crianza y por principios. Siempre estoy del lado de los revolucionarios, porque nunca hubo una revolución a menos que hubiera condiciones opresivas e intolerables contra las cuales revolucionar. [107]

Derechos civiles

Twain fue un firme partidario de la abolición de la esclavitud y la emancipación de los esclavos, llegando incluso a decir: "La Proclamación de Lincoln. No sólo liberó a los esclavos negros, sino que también liberó al hombre blanco". [108] Argumentó que los no blancos no recibieron justicia en los Estados Unidos, una vez dijo: "He visto a los chinos abusados ​​y maltratados de todas las formas mezquinas y cobardes posibles para la invención de una naturaleza degradada. Chinaman enmendado en un tribunal de justicia por los agravios que se le hicieron ". [109] Pagó para que al menos una persona negra asistiera a la Facultad de Derecho de Yale y para que otra persona negra asistiera a una universidad del sur para convertirse en ministro. [110]

Los puntos de vista progresistas de Twain sobre la raza no se reflejaron en sus primeros escritos sobre los indios americanos. De ellos, Twain escribió en 1870:

Su corazón es un pozo negro de falsedad, de traición y de bajos y diabólicos instintos. Para él, la gratitud es una emoción desconocida y cuando uno le hace un favor, lo más seguro es mantener la cara hacia él, no sea que la recompensa sea una flecha en la espalda. Aceptar un favor de él es asumir una deuda que nunca podrás pagar a su satisfacción, aunque te arruines al intentarlo. ¡La escoria de la tierra! [111]

Como contrapunto, el ensayo de Twain sobre "Las ofensas literarias de Fenimore Cooper" ofrece una visión mucho más amable de los indios. [88] "No, otros indios habrían notado estas cosas, pero los indios de Cooper nunca notan nada. Cooper cree que son criaturas maravillosas para darse cuenta, pero casi siempre estaba equivocado acerca de sus indios. Rara vez había uno cuerdo entre ellos. " [112] En su diario de viaje posterior Siguiendo el ecuador (1897), Twain observa que en las tierras colonizadas de todo el mundo, los "salvajes" siempre han sido agraviados por los "blancos" de las formas más despiadadas, como "el robo, la humillación y el asesinato lento, lento, a través de la pobreza y los blancos". whisky del hombre "su conclusión es que" hay muchas cosas divertidas en este mundo, entre ellas la noción del hombre blanco de que es menos salvaje que los otros salvajes ". [113] En una expresión que captura sus experiencias en las Indias Orientales, escribió: "Hasta donde puedo juzgar, no se ha dejado de hacer nada, ni por el hombre ni por la Naturaleza, para hacer de la India el país más extraordinario que el sol visita en su rondas. Donde toda perspectiva agrada, y sólo el hombre es vil ". [114]

Twain también fue una firme defensora de los derechos de las mujeres y una activa defensora del sufragio femenino. Su discurso "Votos para las mujeres", en el que presionó por la concesión del derecho al voto a las mujeres, es considerado uno de los más famosos de la historia. [115]

Helen Keller se benefició del apoyo de Twain mientras continuaba su educación universitaria y publicaba a pesar de sus discapacidades y limitaciones financieras. Los dos fueron amigos durante aproximadamente 16 años. [116]

A través de los esfuerzos de Twain, la legislatura de Connecticut votó una pensión para Prudence Crandall, desde 1995 la heroína oficial de Connecticut, por sus esfuerzos hacia la educación de las jóvenes afroamericanas en Connecticut. Twain también se ofreció a comprar para su uso su antigua casa en Canterbury, sede del internado femenino de Canterbury, pero ella se negó. [117]: 528

Labor

Twain escribió con entusiasmo sobre los sindicatos en la industria de la navegación fluvial en La vida en el Mississippi, que se leyó en los pabellones sindicales décadas después. [118] Apoyó al movimiento sindical, especialmente a uno de los sindicatos más importantes, los Caballeros del Trabajo. [37] En un discurso a ellos, dijo:

¿Quiénes son los opresores? Los pocos: el Rey, el capitalista y un puñado de otros supervisores y superintendentes. ¿Quiénes son los oprimidos? Los muchos: las naciones de la tierra, los personajes valiosos, los obreros, los que hacen el pan que comen los holgazanes y los ociosos. [119]

Religión

Twain era presbiteriano.[120] Fue crítico de la religión organizada y ciertos elementos del cristianismo a lo largo de su vida posterior. Escribió, por ejemplo, "Fe es creer lo que sabes que no es así" y "Si Cristo estuviera aquí ahora, hay una cosa que no sería: un cristiano". [121] Con el sentimiento anticatólico desenfrenado en los Estados Unidos del siglo XIX, Twain señaló que fue "educado para la enemistad hacia todo lo que es católico". [122] Como adulto, participó en discusiones religiosas y asistió a los servicios, su teología se desarrolló mientras luchaba con la muerte de sus seres queridos y con su propia mortalidad. [123]

En general, Twain evitó publicar sus opiniones [124] más controvertidas sobre religión durante su vida, y se conocen por ensayos e historias que se publicaron más tarde. En el ensayo Tres declaraciones de los años ochenta en la década de 1880, Twain declaró que creía en un Dios todopoderoso, pero no en ningún mensaje, revelación, escrituras sagradas como la Biblia, la Providencia o la retribución en el más allá. Afirmó que "la bondad, la justicia y la misericordia de Dios se manifiestan en sus obras", pero también que "el universo se rige por leyes estrictas e inmutables", que determinan "pequeños asuntos", como quién muere en una pestilencia. [125] En otras ocasiones, escribió o habló de maneras que contradecían una visión deísta estricta, por ejemplo, profesando claramente una creencia en la Providencia. [126] En algunos escritos posteriores de la década de 1890, fue menos optimista acerca de la bondad de Dios, y observó que "si nuestro Hacedor es todopoderoso para el bien o el mal, no está en su sano juicio ". En otras ocasiones, conjeturaba sarcásticamente que tal vez Dios había creado el mundo con todas sus torturas para algún propósito propio, pero por lo demás era indiferente a la humanidad, que era demasiado mezquino e insignificante para merecer Su atención de todos modos. [127]

En 1901, Twain criticó las acciones del misionero Dr. William Scott Ament (1851-1909) porque Ament y otros misioneros habían cobrado indemnizaciones de los sujetos chinos a raíz del Levantamiento de los Bóxers de 1900. Se publicó la respuesta de Twain al escuchar los métodos de Ament. en el Revisión de América del Norte en febrero de 1901: A la persona sentada en la oscuridady trata de ejemplos de imperialismo en China, Sudáfrica y de la ocupación estadounidense de Filipinas. [128] Un artículo posterior, "To My Missionary Critics", publicado en The North American Review en abril de 1901, sin pedir disculpas continúa su ataque, pero con el enfoque cambiado de Ament a sus superiores misioneros, la Junta Estadounidense de Comisionados para Misiones Extranjeras. [129]

Después de su muerte, la familia de Twain suprimió parte de su trabajo que era especialmente irreverente hacia la religión convencional, incluyendo Cartas de la Tierra, que no se publicó hasta que su hija Clara invirtió su posición en 1962 en respuesta a la propaganda soviética sobre la retención. [130] El antirreligioso El extraño misterioso fue publicado en 1916. Pequeña Bessie, una historia que ridiculiza el cristianismo, se publicó por primera vez en la colección de 1972 Fábulas del hombre de Mark Twain. [131]

Recaudó dinero para construir una Iglesia Presbiteriana en Nevada en 1864. [132]

Twain creó un retrato reverente de Juana de Arco, un tema sobre el que se había obsesionado durante cuarenta años, estudió durante una docena y pasó dos años escribiendo. [133] En 1900 y nuevamente en 1908 declaró: "Me gusta Juana de arco el mejor de todos mis libros, es el mejor ". [133] [134]

Aquellos que conocieron bien a Twain al final de su vida cuentan que él se detuvo en el tema de la otra vida, y su hija Clara dijo: "A veces creía que la muerte acababa con todo, pero la mayoría de las veces se sentía seguro de una vida más allá". [135]

Las opiniones más francas de Twain sobre la religión aparecieron en su obra final Autobiografía de Mark Twain, cuya publicación se inició en noviembre de 2010, 100 años después de su muerte. En él, dijo: [136]

Hay una cosa notable acerca de nuestro cristianismo: malo, sangriento, despiadado, acaparador de dinero y depredador como es, en nuestro país en particular y en todos los demás países cristianos en un grado algo modificado, todavía es cien veces mejor que el El cristianismo de la Biblia, con su prodigioso crimen: la invención del infierno. Medido por nuestro cristianismo de hoy, malo como es, hipócrita como es, vacío y vacío como es, ni la Deidad ni su Hijo son cristianos, ni están calificados para ese lugar moderadamente alto. La nuestra es una religión terrible. Las flotas del mundo podrían nadar con amplia comodidad en la sangre inocente que ha derramado.

Twain era masón. [137] [138] Perteneció a Polar Star Lodge No. 79 A.F. & ampA.M., Con sede en St. Louis. Fue iniciado como aprendiz ingresado el 22 de mayo de 1861, pasó al grado de Compañero el 12 de junio y fue elevado al grado de Maestro Masón el 10 de julio.

Twain visitó Salt Lake City durante dos días y se reunió con miembros de La Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días. También le dieron un Libro de Mormón. [139] Más tarde escribió en Desbastarlo sobre ese libro: [140] [141]

El libro parece ser simplemente un detalle prosy de la historia imaginaria, con el Antiguo Testamento como modelo seguido de un tedioso plagio del Nuevo Testamento.

Vivisección

Twain se opuso a las prácticas de vivisección de su época. Su objeción no tenía una base científica sino ética. Específicamente citó el dolor causado al animal como base de su oposición: [142] [143]

No me interesa saber si la vivisección produce resultados que son rentables para la raza humana o no. . Los dolores que inflige a los animales no consentidos es la base de mi enemistad hacia él, y es para mí una justificación suficiente de la enemistad sin mirar más allá.

Twain usó diferentes seudónimos antes de decidirse por "Mark Twain". Firmó bocetos humorísticos e imaginativos como "Josh" hasta 1863. Además, usó el seudónimo "Thomas Jefferson Snodgrass" para una serie de cartas humorísticas. [144]

Sostuvo que su seudónimo principal provenía de sus años de trabajo en los barcos del río Mississippi, donde dos brazas, una profundidad que indica que el agua es segura para el paso del barco, era una medida en la línea de sondeo. Twain es un término arcaico para "dos", como en "El velo del templo se rasgó en dos". [145] El grito del barquero fue "marca dos" o, más completamente, "por la marca dos", que significa "según la marca [en la línea], [la profundidad es] dos [brazas]", es decir, " El agua tiene 3,7 m (12 pies) de profundidad y es seguro pasar ".

Twain dijo que su famoso seudónimo no fue del todo invento suyo. En La vida en el Mississippi, el escribio:

El capitán Isaiah Sellers no tenía giros ni capacidad literaria, pero solía apuntar breves párrafos de información práctica y sencilla sobre el río, firmarlos "MARK TWAIN" y dárselos al Nueva Orleans Picayune. Se relacionaron con el estado y la condición del río, y fueron precisos y valiosos. En el momento en que el telégrafo trajo la noticia de su muerte, yo estaba en la costa del Pacífico. Yo era un periodista recién llegado y necesitaba un nom de guerre, así que confisqué el antiguo marinero descartado, y he hecho todo lo posible para que siga siendo lo que estaba en sus manos: un signo, símbolo y garantía de que todo lo que se encuentre en su La compañía puede apostar por ser la verdad petrificada de cómo he tenido éxito, no sería modesto de mi parte decirlo. [146]

La historia de Twain sobre su seudónimo ha sido cuestionada por algunos [147] con la sugerencia de que "mark twain" se refiere a una cuenta corriente de bar en la que Twain incurría regularmente mientras bebía en el salón de John Piper en Virginia City, Nevada. El propio Samuel Clemens respondió a esta sugerencia diciendo: "Mark Twain era el nom de plume de un capitán Isaiah Sellers, que solía escribir noticias del río sobre él para el Nueva Orleans Picayune. Murió en 1863 y como ya no podía necesitar esa firma, puse violentas manos sobre ella sin pedir permiso a los restos del propietario. Esa es la historia del nom de plume que llevo ". [148]

En su autobiografía, Twain escribe más sobre el uso que hizo el capitán Sellers de "Mark Twain":

Entonces yo era un piloto cachorro en el río Mississippi, y un día escribí una sátira grosera y grosera dirigida al capitán Isaiah Sellers, el piloto de barco de vapor más antiguo del río Mississippi, y el más respetado, estimado y reverenciado. Durante muchos años había escrito ocasionalmente breves párrafos sobre el río y los cambios que había sufrido bajo su observación durante cincuenta años, y había firmado estos párrafos "Mark Twain" y los había publicado en los diarios de St. Louis y New Orleans. En mi sátira hice un juego grosero de sus reminiscencias. Fue una actuación pobre y lamentable, pero yo no lo sabía, y los pilotos no lo sabían. Los pilotos pensaron que era brillante. Estaban celosos de Sellers, porque cuando los canosos entre ellos complacían su vanidad al detallar a los oídos de los artesanos más jóvenes las maravillas que habían visto hace mucho tiempo en el río, era probable que Sellers siempre interviniera en el momento psicológico. y apagarlos con sus propias maravillas que hicieron que sus pequeñas maravillas parecieran pálidas y enfermas. Sin embargo, lo he contado todo en "Old Times on the Mississippi". Los pilotos entregaron mi extravagante sátira a un reportero del río y fue publicada en el True Delta de Nueva Orleans. Ese pobre y viejo capitán Sellers estaba profundamente herido. Nunca lo habían puesto en ridículo antes de que se volviera sensible, y nunca se recuperó del dolor que yo le había infligido de manera desenfrenada y estúpida a su dignidad. Estuve orgulloso de mi actuación durante un tiempo y la consideré bastante maravillosa, pero he cambiado de opinión al respecto hace mucho tiempo. Sellers nunca publicó otro párrafo ni volvió a usar su nom de guerre. [149]

Traje blanco de marca

Si bien a menudo se representa a Twain con un traje blanco, las representaciones modernas que sugieren que los usó durante toda su vida son infundadas. La evidencia sugiere que Twain comenzó a usar traje blanco en el circuito de conferencias, después de la muerte de su esposa en 1904. Sin embargo, también hay evidencia que lo muestra vistiendo un traje blanco antes de 1904. En 1882, envió una fotografía de sí mismo con un traje blanco. a Edward W. Bok, de 18 años, más tarde editor de la Diario de casa de las señoras, con una nota fechada manuscrita. El traje blanco finalmente se convirtió en su marca registrada, como se ilustra en anécdotas sobre esta excentricidad (como la vez que usó un traje blanco de verano en una audiencia del Congreso durante el invierno). [48] ​​McMasters ' La enciclopedia de Mark Twain afirma que Twain no vistió un traje blanco en sus últimos tres años, excepto en un discurso de banquete. [150]

En su autobiografía, Twain escribe sobre sus primeros experimentos con el uso de blanco fuera de temporada: [151]

Después de los colores finos, me gusta el blanco liso. Una de mis penas, cuando termina el verano, es que debo quitarme mis alegres y cómodas ropas blancas y entrar para el invierno en el deprimente cautiverio de los informes negros y degradantes. Estamos a mediados de octubre y el clima se está enfriando aquí en las colinas de New Hampshire, pero no logrará congelarme con estas prendas blancas, porque aquí los vecinos son pocos, y solo de las multitudes puedo tengo miedo. [151]

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    Tengo casi setenta y un años y reconozco que mi edad me ha dado muchos privilegios, privilegios valiosos, privilegios que no se conceden a los más jóvenes. Poco a poco espero reunir el valor suficiente para llevar ropa blanca durante todo el invierno, en Nueva York. Para mí será una gran satisfacción presumir de esta manera y quizás la mayor de todas las satisfacciones será saber que todos los burladores, de mi sexo, me envidiarán en secreto y desearán atreverse a seguir mi ejemplo. "Autobiografía de Mark Twain", Volumen 2, 8 de octubre de 1906 (2013, 2008), párrafo 14
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    de la Biblioteca Bancroft, Universidad de California Berkeley. Archivo de los trabajos y escritos de Mark Twain en la Biblioteca Pública del Condado de Buffalo y Erie en la Biblioteca Pública de Nueva York Shapell Manuscript Foundation en las Bibliotecas de la Universidad del Norte de Illinois. Colección Yale de Literatura Estadounidense, Biblioteca de Manuscritos y Libros Raros de Beinecke.

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¿Qué es?

En primer lugar, es importante clasificar la función del artículo de joyería. El examen de un anillo, broche, pulsera, collar, etc. se realiza esencialmente de la misma manera, pero dado que algunos diseñadores, fabricantes y minoristas se especializan en ciertos tipos de joyería, es importante reconocer la función del artículo.

También es importante comprobar si la pieza ha sido alterada fundamentalmente. Se pueden encontrar reparaciones básicas, como cambios de tamaño y reemplazos de pines, y aunque estos no cambian fundamentalmente el propósito del artículo, pueden alterar o eliminar detalles importantes. Un anillo redimensionado o un mecanismo de pasador reparado puede haber tenido sellos, marcas de fabricante y / o marcas de pureza / ensayo y la reparación o cambio puede haber eliminado las marcas. Esto puede dificultar la identificación exacta de quién hizo la pieza, pero el artículo sigue siendo fundamentalmente un broche o un anillo. Por otro lado, si se ha quitado la parte superior de un anillo de su vástago y se ha colocado un vástago en el reverso, la pieza ahora es un alfiler y ya no un anillo. Es importante observar esto al investigar el quién, qué, cuándo y dónde de la identificación de joyas & # 8230 ¿es un anillo o un broche? A veces, la respuesta no es evidente de inmediato.


Imágenes seleccionadas

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Artista del norte de Italia
Hierro azulado, repujado, dorado y plateado, con trabajo de damasquinado dorado
Kunsthistorisches Museum, Viena

El estilo de este casco refleja la popularidad de la antigüedad griega y romana durante el Renacimiento. El rostro de un dragón domina la parte delantera del casco, su boca feroz se abre justo por encima de la cara del usuario. Los costados están adornados con escenas de la mitología, incluido Poseidón, dios del mar, en un carruaje tirado por caballitos de mar. Un casco tan elaborado y decorativo se habría usado en ocasiones festivas y no durante la batalla.

Base: anterior a 1449 tapa: 1564
Cristal de roca, plateado y dorado
Kunsthistorisches Museum, Viena

Esta preciosa copa fue propiedad de Fredrick III (1415-1493), cuya marca personal (AEIOU) está inscrita al lado del año 1449 en su base. Las vocales AEIOU son probablemente una abreviatura de las primeras letras de las palabras en la frase latina, & # 8220Es deber de Austria gobernar el mundo entero & # 8221. La copa se cortó de una sola pieza de cristal de roca. Para enfatizar la preciosidad de su material y su propio virtuosismo, el tallador hizo una copa de 12 caras. En el mundo medieval, el número 12 simbolizaba la perfección.

Atribuido a Nikolaus Pfaff
Alemán, ca. 1556 y # 8211 1612
Cuerno de rinoceronte
Kunsthistorisches Museum, Viena

Beber de esta taza habría garantizado una vida amorosa feliz y saludable. Tres sátiros, criaturas míticas que, siendo en parte animales y en parte humanos, no pudieron controlar sus deseos sexuales, forman la base de esta copa. Se transforman de lo zoológico a lo humano y luego a lo botánico, ya que sus patas de animal sostienen los brazos humanos que se convierten en corales ramificados. Se pensaba que el cuerno de rinoceronte era un afrodisíaco (estimulante sexual) y para alejar el mal y la mala suerte, al igual que el coral.

Giuseppe Arcimboldo
Italiano, 1527 y # 8211 1593
Óleo sobre tilo
Kunsthistorisches Museum, Viena

Esta representación del fuego está compuesta literalmente por objetos ardientes. El pedernal y el acero reemplazan la nariz y la oreja. Una lámpara de aceite forma el cuello. Los fósforos crean un bigote, los mosquetes y los cañones componen el pecho y el hombro. Alguien que viera esto en el siglo XVI habría entendido la referencia: el emperador Maximiliano II de Habsburgo, para quien se hizo la pintura, mantuvo el control sobre su reino con potencia de fuego militar. El collar del Vellocino de Oro y el águila bicéfala debajo, se refieren al poder hereditario del emperador.

Antonio Allegri, llamado Correggio
Italiano, 1489 y # 8211 1534
Óleo sobre lienzo
Kunsthistorisches Museum, Viena

Esta obra maestra de Correggio sigue siendo una de las pinturas más atrevidas, eróticas e impactantes de la historia del arte. Correggio pintó cuatro lienzos sensuales que relacionan los amores de Júpiter y # 8217. En la mitología romana, el dios lujurioso a menudo se disfrazó para poder seducir a las doncellas sin que su esposa, Juno, se diera cuenta. En un día soleado, aquí se ha convertido en una espesa nube negra. El rostro de Júpiter aparece débilmente en la oscuridad cuando alcanza su gran brazo con forma de pata para abrazar a la ninfa Io.

Giorgio da Castelfranco, llamado Giorgione
Italiano, 1477 y # 8211 1510
Óleo sobre lienzo
Kunsthistorisches Museum, Viena

Aquí tres hombres de diferentes edades se pierden en sus pensamientos ante una cueva. El más joven se sienta con una escuadra y un compás, el más viejo se coloca con una brújula y una tableta, el hombre del medio viste un vestido oriental y un turbante.

La pintura de Giorgione & # 8217s puede o no tener un tema específico. Las tres figuras podrían representar a los tres primeros filósofos griegos que buscaban comprender los principios de la naturaleza o ilustrar las tres edades del hombre. Pase lo que pase, la forma poética de Giorgione también fomenta la contemplación reflexiva y la interpretación inventiva por parte de los espectadores.

Jacopo Robusti, llamado Tintoretto
Italiano, ca. 1518 y # 8211 19 y # 8211 1594
Óleo sobre lienzo
Kunsthistorisches Museum, Viena

Según el libro bíblico de Daniel, una tarde calurosa Susanna decidió bañarse en la fuente de un jardín. Dos hombres mayores miraron a escondidas y luego le hicieron proposiciones. La virtuosa Susana los rechazó, pero posteriormente fue acusada de adulterio. Durante su juicio, se reveló la traición de los ancianos y fueron ejecutados.

Esta pintura poética brilla con color y luz. La dramática composición diagonal, la exuberancia del jardín y la imponente figura de Susanna nos atraen, a pesar de la presencia lasciva de los mirones.

Michelangelo Merisi, llamado Caravaggio
Italiano, 1571 y # 8211 1610
Óleo sobre lienzo
Kunsthistorisches Museum, Viena

Con violencia y patetismo somos testigos de uno de los últimos sufrimientos terrenales de Cristo. Se desploma hacia un lado mientras sus sucios y andrajosos torturadores lo golpean con palos. El rojo brillante de su capa ofrece una premonición de su sangriento destino en la cruz, mientras nosotros, junto con un soldado inquietantemente desinteresado, vemos cómo se desarrolla la terrible historia. Caravaggio, uno de los grandes innovadores del barroco italiano, amplificó el drama de la escena mediante su llamativo uso de diagonales claras y oscuras y fuertes.

Andreas Möller
Danés, 1684 & # 8211 ca. 1762
Óleo sobre lienzo
Kunsthistorisches Museum, Viena

María Teresa ya era serena y encantadora a los 10 años. Para preservar el dominio austriaco de los Habsburgo en ausencia de herederos varones, su padre, el emperador Carlos VI, declaró que las hijas de los príncipes reales podrían suceder al trono de los Habsburgo. Aquí María Teresa posa con un sombrero archiducal detrás de su mano derecha, lo que indica que ya está investida de autoridad. Su capa forrada de armiño refuerza su nobleza.

Paneles de madera, bronce, vidrio, hierro, terciopelo, seda y bordados en oro.
Kunsthistorisches Museum, Viena

Atribuido a la talabartería imperial
Dos juegos de arneses de un equipo de gala de seis caballos, California. 1740-1750
Pasamanería de cuero, terciopelo, latón dorado, oro y seda
Kunsthistorisches Museum, Viena

Este elegante carruaje de gala transportaba a los niños de la familia imperial durante las procesiones formales en Viena. En 1896 se añadió una ventana en la parte posterior para mostrar el transporte de las joyas de la corona húngara.

Los lujosos apliques y las hebillas de latón fundido dorado en estos dos juegos de arneses, de un juego requerido de seis, son particularmente espléndidos. Muestran el escudo de armas de los miembros no gobernantes de la casa imperial, el escudo de armas austriaco con la corona archiducal en la parte superior e intrincados volutas y correas típicas del estilo barroco.

Terciopelo de seda, seda y oro.
Kunsthistorisches Museum, Viena

Desde su fundación por el duque de Borgoña en 1430, la Orden del Toisón de Oro ha sido una de las órdenes de caballería más nobles. Inicialmente tomó su nombre del antiguo héroe Jason y sus argonautas, pero también se identificó con el vellón de Gedeón, que lo marcó como líder del pueblo hebreo. La orden vino bajo los auspicios de Habsburgo cuando Maximiliano I se casó con María de Borgoña en 1477. Más tarde se dividió, como la familia, en ramas española y austriaca.

Al estilo de Charles Frederick Worth
Terciopelo y seda
Kunsthistorisches Museum, Viena

La emperatriz Elisabeth, más conocida por su apodo, Sisi, se convirtió en una de las primeras celebridades femeninas del mundo moderno. Una atleta apasionada y jinete competitiva, tenía un gimnasio instalado en el palacio imperial y era conocida por sus puntos de vista poco convencionales de la sociedad de la corte y sus vigorosas peleas con su suegra. Increíblemente delgada, su & # 8220Vienna cintura de avispa & # 8221 se convirtió en la altura de la moda. Se acentuaba especialmente en un vestido de día relativamente sencillo pero elegante como este.

Atribuido a Lorenz Helmschmid
Alemán, ca. 1445 y # 8211 1516
Armadura: hierro, latón y cuero. Blanco: madera, hueso (?) Y cuero.
Kunsthistorisches Museum, Viena

Esta armadura de justas, que consta de un corpiño y casco de metal, una lanza de madera y un escudo de cuero, fue hecha para el joven Felipe I, también conocido como & # 8220Philip the Handsome & # 8221 o & # 8220the Fair. & # 8221 Even jóvenes nobles participaron en torneos de justas, una forma de entrenamiento militar que se convirtió en un deporte de élite. Los participantes cargaron unos contra otros a caballo, apuntando sus lanzas puntiagudas al escudo de su oponente. Aunque estaba destinado a simular el combate, las justas a menudo se llevaban a cabo en eventos sociales festivos que también incluían música, bailes y grandes procesiones.

Coral, plata dorada, acero, madera y terciopelo
Kunsthistorisches Museum, Viena

El archiduque Fernando II era un ávido coleccionista de objetos raros hechos de coral, que se creía que tenía poderes míticos y protegía contra el mal de ojo. En este ejemplo, las ramas delgadas de color rojo brillante forman el mango de este coltelaggio o cuchillo grande. Debido a que el coral era costoso y quebradizo, armas como esta eran puramente para mostrar y se usaban con armaduras de estilo antiguo en procesiones festivas. Los únicos sables con mango de coral que han sobrevivido del Renacimiento tardío derivan de la colección de maravillas de Fernando II.

Jörg Seusenhofer
Austriaco, ca. 1510 y # 8211 1580
Hans Perckhammer
Nacionalidad desconocida, 1527-1557
Hierro, latón, cuero y tela.
Kunsthistorisches Museum, Viena

El “Guarnición de águila & # 8221 del Archiduque Fernando II de Tirol es el conjunto de armaduras más extenso que aún existe, y el mejor documentado. Sus 87 piezas se pueden ensamblar de 12 formas diferentes, según el uso, como el combate ecuestre o peatonal o para varios tipos de torneos. El & # 8220Eagle Garniture & # 8221 fue usado por primera vez por Fernando II en un torneo en Praga a principios de 1548. Su nombre proviene del águila heráldica austriaca que adorna muchas de sus piezas.

Calcedonia gris claro y plata bañada en oro, principios del siglo XVII
Kunsthistorisches Museum, Viena

Como emperadores del Sacro Imperio Romano Germánico, los Habsburgo miraban a la antigua Roma en busca de inspiración artística y validación de su autoridad. Exhibieron esculturas de retratos romanos en los grandes espacios públicos de sus palacios, a menudo restaurando piezas antiguas con partes más modernas, como en el caso de este cameo de retratos. Los emperadores de Habsburgo encargaron exquisitos retratos que tenían un aspecto igualmente romano, vinculándose visualmente con los antiguos gobernantes y afirmando su superioridad a través de una técnica de talla de mármol técnicamente avanzada.

Hans Jakob I. Bachmann, orfebre
Alemán, 1574 y # 8211 1651
Maestro IPG, tallador de marfil
Activo c. 1640
Marfil y plata dorada
Kunsthistorisches Museum, Viena

Escenas de juerga de borrachos adornan esta elaborada jarra de marfil. Baco, dios del vino, persigue a una ninfa mientras su cohorte de juerguistas lo rodea, riendo, tocando música y cosechando uvas. En la parte superior de la tapa, una pequeña figura de Amor, dios del amor, observa el camino de una flecha que parece haber disparado. Dichas imágenes están conectadas con el contenido embriagador que se hizo para contener la jarra, aunque es probable que nunca se haya utilizado como recipiente para beber. En cambio, el magnífico objeto de marfil y plata dorada se mostró como un símbolo de la riqueza y el refinamiento de los Habsburgo.

Leonhard Kern
Alemán, 1588 y # 8211 1662
Colmillo de morsa
Kunsthistorisches Museum, Viena

En esta escultura, la naturaleza se transforma en una obra de arte. Tallada en un trozo de colmillo de morsa, esta voluptuosa figura femenina de pie con una cornucopia de frutas representa a Abundantia, la diosa de la abundancia o Pomona, la diosa de los árboles frutales y los huertos. La forma natural del material, en particular, la estructura granulada del marfil, se incorpora al diseño. Esta textura es especialmente visible en los hombros, el brazo y la pierna izquierda de la diosa. Esta tensión entre arte y naturaleza fue característica de los gabinetes de curiosidades de los siglos XVI y XVII.

Hans Holbein el Joven
Alemán, 1497 y # 8211 1543
Óleo sobre roble
Kunsthistorisches Museum, Viena

Jane Seymour fue la tercera y favorita esposa del rey inglés Enrique VIII, la única de sus seis esposas que tuvo un heredero varón que sobrevivió a la infancia. Murió pocos días después de dar a luz. Enrique VIII probablemente se encargó el trabajo para sí mismo, pero estaba en la colección de los Habsburgo en 1720. Holbein enfatizó la piedad remilgada y el porte regio de Jane. Lleva un collar con el monograma de Cristo (IHS), recordando a los espectadores que aunque Henry había separado a Inglaterra del papado, todavía era un estado devoto.

Tiziano Vecellio, llamado Tiziano y Taller
Italiano, ca. 1488 y # 8211 1576
Óleo sobre lienzo
Kunsthistorisches Museum, Viena

En esta suntuosa pintura renacentista veneciana, Tiziano, uno de los grandes maestros de la época, vuelve a un tema que pintó muchas veces: el mito de Dánae. Según la mitología, el padre de Danaë, el rey de Argos, recibió una profecía de que su hija y el hijo de su hija algún día lo mataría. Para evitar que Danaë tuviera un hijo así, el rey la encerró en un calabozo. Esta pintura muestra a Dánae visitada por Júpiter en forma de nube de oro, impregnando a Dánae y cumpliendo la profecía. Fue enviado como regalo al emperador Rodolfo II en 1600.

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez
Español, 1599 & # 8211 1660
Óleo sobre lienzo
Kunsthistorisches Museum, Viena

Antes de la fotografía y los viajes generalizados, a menudo se enviaban retratos pintados de niñas casaderas a las familias de los posibles esposos para su investigación. La joven infanta española María Teresa fue considerada como esposa de varios Habsburgo, y varios retratos de ella, incluido este, fueron enviados a Viena. Finalmente, se casó con su primo, el rey Luis XIV de Francia.

En este retrato, María Teresa está vestida a la moda, y su expresión, junto con la espontaneidad del pincel del artista, proyecta una apariencia fresca y viva.

Jan Thomas
Flamenco, 1617 y # 8211 1678
Óleo sobre cobre
Kunsthistorisches Museum, Viena

El 24 de enero de 1667 se realizó un ballet ecuestre en la Burgplatz de Viena para celebrar la boda del emperador Leopoldo I y la infanta española Margarita Teresa. Esta pequeña pintura muestra a Leopold con su traje para el evento. El ballet contó la historia de una competencia entre los Cuatro Elementos. Aire o agua, ayudados por el fuego y la tierra, ¿cuál había creado la perla más hermosa? Realmente no importaba. La cuestión era el espectáculo y que la novia era la perla perfecta. En latín, Margarita significa perla.

Bernardo Bellotto, conocido como Canaletto
Italiano, 1722 y # 8211 1780
Óleo sobre lienzo
Kunsthistorisches Museum, Viena

En esta pintura, Bernardo Bellotto representó el inmenso palacio y el patio de Schönbrunn, la residencia de verano favorita de María Teresa, al oeste de Viena.María Teresa y sus cortesanos se encuentran a lo lejos en un balcón del ala izquierda del palacio imperial. En el punto medio, el carruaje del Conde Joseph Kinsky cruza la cancha, seguido por su séquito al galope, trayendo la noticia del triunfo de los Habsburgo sobre los prusianos. La pintura lleva la fecha del 16 de agosto de 1759, cuando María Teresa recibió esta noticia, no cuando la pintura estaba terminada.

Terciopelo de seda, seda, falso armiño, bordados dorados y plumas
Kunsthistorisches Museum, Viena

Los colores de las vestimentas que lleva la Real Orden Húngara de San Esteban son los de Hungría: rojo (para la túnica), verde (para la capa) y blanco (para el borde de armiño falso). Toda la ropa está bordada con hojas de roble dorado, haciendo referencia a la antigua tradición romana de honrar a ciudadanos extraordinarios con coronas de roble.

La Orden de San Esteban de Hungría fue fundada por la emperatriz María Teresa en 1764. A diferencia de otras órdenes cuyos miembros eran iguales, esta orden brindó al emperador la oportunidad de reconocer a personas de diversos orígenes y rango por su destacado servicio civil.

Esta exposición llevó a los espectadores a un viaje que exploró seiscientos años de colección de arte de la familia Habsburgo, una de las dinastías más poderosas y longevas de Europa. Los Habsburgo sirvieron como emperadores del Sacro Imperio Romano, la máxima autoridad secular en la Europa medieval y renacentista. Centrado en Viena, Austria, su imperio se extendió también a América.

Todas las obras de esta exposición provienen del Kunsthistorisches Museum de Viena, Austria, construido por el emperador Franz Josef para albergar las colecciones imperiales. Los Habsburgo encargaron y recopilaron algunas de las pinturas, esculturas, artes decorativas, armas y armaduras más espléndidas del mundo, e incluso carruajes ceremoniales, la mayoría de los cuales nunca se habían exhibido en América del Norte.

El espectáculo y la actuación de los Habsburgo eran legendarios. Generación tras generación, los gobernantes de los Habsburgo pujaron por el respeto y la lealtad de sus súbditos, y se lo ganaron, mediante la colección, creación y exhibición de arquitectura, escultura, pintura y artes decorativas espectaculares. Hoy en día, el esplendor de los Habsburgo se puede experimentar en las antiguas capitales del imperio como Viena, Madrid, Budapest y Praga, así como en ciudades más pequeñas de Europa.

Espectáculo real

El espectáculo era una parte esencial de la vida cortesana de los Habsburgo. A partir de la Edad Media, la pompa y la pompa fueron tan importantes como el poder militar. Los participantes en los torneos de justas llevaban elaboradas armaduras para impresionar a los espectadores. En siglos posteriores, los nobles demostraron su riqueza y poder político mientras desfilaban por la ciudad imperial en exquisitos carruajes y trineos dorados.

Los Habsburgo también encargaron y coleccionaron arte para impresionar a los sujetos y compañeros aristócratas. Wunderkammern, o gabinetes de curiosidades, exhibió especímenes raros de producción natural y humana. Los Habsburgo consideraron estas colecciones como microcosmos del mundo y las llenaron de objetos naturales exóticos y misteriosos, como cáscaras de huevos de avestruz, pieles y esqueletos de animales, gemas y minerales preciosos, fósiles e incluso & # 8220 cuernos de unicornio & # 8221 (en realidad, colmillos de narval ). A finales del siglo XVI, los Habsburgo poseían más de 3.000 pinturas, que exhibían en sus palacios por toda Europa.

Estas exhibiciones permitieron la contemplación de curiosidades naturales y maravillas hechas por el hombre, pero también sirvieron como una forma de propaganda, demostrando la magnificencia, la riqueza y el poder de los coleccionistas.

Museo Kunsthistorisches

Las obras de esta exposición proceden del Kunsthistorisches Museum de Viena, Austria. Abierto al público en 1891 por el emperador Francisco José I, el museo se encuentra en la Ringstrasse, un elegante bulevar que rodea el centro histórico de Viena. El Kunsthistorisches alberga las espléndidas colecciones de arte de los Habsburgo, que acumularon durante siglos de gobierno. Entre los coleccionistas más importantes de los Habsburgo se encontraba el archiduque Leopold Wilhelm (1614-1662), quien publicó el primer catálogo impreso de una colección de pintura. El museo también alberga las colecciones de armaduras de Fernando II de Tirol y algunas de las muchas maravillas del gabinete de curiosidades de Rodolfo II.

Aunque la familia real perdió el poder en 1918, el legado de los Habsburgo sigue vivo hoy, su esplendor y espectáculo nos recuerdan la manera magistral en la que esta familia ayudó a dar forma a 650 años de arte, política y cultura europea.


Kiki Smith, Acostado con el lobo

Esta delicada pero a gran escala obra en papel, que representa a una mujer desnuda recostada íntimamente junto a un lobo, representa la asimilación de varios temas que Kiki Smith ha explorado a lo largo de sus décadas de carrera. Con un acto de unión entre humanos y animales, la pieza habla no solo de la fascinación y reverencia de Smith por el mundo natural, sino también de sus destacados intereses en las narrativas religiosas y la mitología, la historia de la figuración en el arte occidental y las nociones contemporáneas de lo femenino. domesticidad, anhelo espiritual e identidad sexual.

Acostado con el lobo es una de una breve serie de obras ejecutadas entre 2000 y 2002 que ilustra las relaciones de las mujeres con los animales, a partir de representaciones encontradas en historias visuales, literarias y orales. Smith está más interesado en narrativas que hablan de mitologías compartidas colectivamente, que incluyen cuentos populares, historias bíblicas y literatura victoriana, sin embargo, las historias que alguna vez fueron familiares se fragmentan y combinan entre sí para formar nuevos grupos de significado y asociación.

Relaciones íntimas con la naturaleza

Kiki Smith, Rapto, 2001, bronce, 67-1 / 4 x 62 x 26-1 / 2 & # 8243, edición de 3, © Kiki Smith

Muchas de las obras de Smith de este período cuentan con una protagonista femenina que se basa en Caperucita Roja y Sainte Geneviève, la patrona de París. Geneviève se asocia a menudo con San Francisco de Asís debido a sus estrechas relaciones con los animales y su capacidad, en particular, para domesticar lobos.

Otros trabajos de la serie incluyen Geneviève y el lobo de mayouna escultura de bronce en la que una figura femenina de pie abraza tranquilamente al lobo, y Rapto, que quizás esté más alineado con Caperucita Roja, ya que representa a una mujer saliendo del estómago de la criatura reclinada.

El par como se muestra en Acostado con el lobo, sin embargo, parece encerrado en un abrazo más íntimo, mientras el lobo acaricia afectuosamente los brazos de la mujer desnuda. Se envuelve alrededor del cuerpo del animal en un gesto de consuelo, sus dedos acarician el suave pelaje debajo de sus orejas y a lo largo del costado de su estómago. La locura del lobo está domesticada y ambas figuras parecen nutrirse mutuamente, flotando dentro del espacio abstracto de la superficie de papel texturizado sobre el que están delicadamente dibujadas. Smith imbuye una historia que normalmente es bastante violenta con una especie de ternura que es característica de su estética general.

Enfoques feministas de la narrativa

Algunos críticos han sugerido que las reinterpretaciones de Caperucita Roja y Sainte Geneviève de Smith representan un enfoque feminista de los cuentos populares populares. Esto está respaldado por su ubicación de la “mujer” en medio del mundo natural, pero también, lo que es más importante, a nivel estructural: en la forma en que las dos narrativas se fragmentan y combinan. Tomando prestado de fuentes divergentes para forjar una nueva historia, Smith demuestra la relación escurridiza entre una imagen visual y sus múltiples referencias, adoptando un estilo narrativo en deuda con las reescrituras feministas de la historia.

Como ha explicado la curadora Helaine Posner: "En lugar de presentarlos en sus roles tradicionales de depredador y presa, Smith re-imaginó a estos personajes como compañeros, iguales en propósito y escala". La distinción entre "depredador" y "presa" podría pensarse como una metáfora de las jerarquías de poder en las relaciones humanas, que tradicionalmente se han trazado a lo largo de las líneas de género, raza y clase. Debido a que las sociedades patriarcales generalmente otorgan más poder a los hombres, mientras exigen que las mujeres sean sumisas o dependientes, podemos pensar en este "vuelco" en el arte de Smith como una declaración política contra tales desigualdades. Las narrativas artísticas retratadas en su trabajo son aquellas en las que los binarios se invierten y las cualidades opuestas se fusionan al hacerlo, Smith afirma una posición feminista crítica que favorece la articulación de múltiples significados.

"Caminando por un jardín"

& # 8220Mi carrera ha dejado de ser lineal. Hace un par de años, la línea de la historia o la narrativa se vino abajo & # 8230 & # 8221 1

Como es el caso de Acostado con el lobo, varias de las obras de Smith integran una diversa lista de temas y motivos que ha acumulado a lo largo de su carrera. La artista reimagina continuamente los tropos que ha utilizado en trabajos anteriores, con el resultado de que su práctica no parece progresar a través de etapas artísticas discretas. Más bien, trabaja en ciclos y capas; ha descrito su carrera como un acto de deambular o "caminar por un jardín".

Kiki Smith creció en una vibrante familia artística, es hija del escultor Tony Smith y la cantante de ópera Jane Lawrence Smith. Ha hablado con cariño de la casa victoriana en la que se crió en South Orange, Nueva Jersey, y cómo capturó su joven imaginación, como un artefacto histórico con sus propios recuerdos e índices del pasado. La noción de "hogar" ha sido fundamental en su práctica, y ella la compara con el cuerpo humano, un tema que es omnipresente en su obra. La domesticidad, la fragilidad y los materiales humildes de la artesanía y las artes populares se caracterizan con fuerza en su trabajo.

La abyección y el cuerpo

Si bien el trabajo inicial de Kiki Smith está alineado con la escena artística colaborativa y activista de la década de 1980, se hizo conocida por sus exploraciones íntimas del cuerpo humano en la década siguiente, a menudo a través de esculturas de tamaño natural que honraban la tradición figurativa del arte occidental.

Kiki Smith, Piscina de sangre, 1992, cera, gasa y pigmento, 42 x 24 x 16 & # 8243, © Kiki Smith

Estos trabajos enfatizaron la vulnerabilidad del cuerpo e hicieron referencia a las teorías feministas de lo "abyecto", que concibieron el cuerpo como un sistema desordenado, poroso y sin fronteras. Piscina de sangre, por ejemplo, presenta una figura pequeña, aparentemente violada, acurrucada en posición fetal en el suelo. Muchas otras obras de este período presentan fluidos corporales o marcas de lesiones.

Misticismo y mitologías

A lo largo de la década de 1990, Smith llegó a abrazar su educación religiosa, creando obras que son espirituales, etéreas y marcadamente más decorativas. Los motivos celestes y las referencias al mundo natural se volvieron omnipresentes, aunque estos temas todavía están profundamente conectados con el cuerpo. Como una investigación del cuerpo en su capacidad de fertilidad, reproducción y crianza, este giro hacia el entorno natural eventualmente llevaría a Smith a interesarse por los animales y nuestras conexiones con ellos.

Acostado con el lobo es una extensión de este anhelo de conectar lo terrenal con lo espiritual y lo personal con lo colectivo.

1. Como se cita en Christopher Lyon, "Free Fall: Kiki Smith on Her Art" en Kiki Smith, ed. Helaine Posner y Christopher Lyon, Nueva York, NY: The Monacelli Press, Inc: página 37.


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